«Мертвое море», Григорий Григорьевич Чернецов

1850 г. Холст, масло. Размер: 123x179,5 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург #Story_ruspainting

Григорий Григорьевич Чернецов (1802−1865) учился в ИАХ у А. Г. Варнека, М. Н. Воробьева и С. Ф. Галактионова. Старший брат художников Н. Г. и П. Г. Чернецовых. С 1829 — придворный живописец. Путешествуя по России, Италии, Палестине, Турции и Египту, Чернецов написал многочисленные этюды, эскизы, ряд картин и панораму Волги (ныне утраченную) свыше 700 м длиной.

Осенью 1842 года французский пароход «Минос», на борту которого находились три брата — Григорий, Никанор и Поликарп Чернецовы, вышел из Неаполя, взяв курс на Египет. Русские художники направлялись в Александрию для того, чтобы достичь главной цели своего путешествия — Святой земли.

Добравшись из Иерусалима до Мертвого моря, братья были поражены красотой и своеобразием местности. Впечатления от увиденного нашли отражение в картине Григория Чернецова «Мертвое море», исполненной на основе натурных зарисовок в 1850-м году. На полотне неподвижно застыла гладь Мертвого моря, в которой отражаются прибрежные горы. Неяркий солнечный свет играет бледным золотом на поверхности воды. Небо, земля, вода — все незыблемо и неизменно с библейских времен.

«Прогулка», Марк Шагал

1918г. Холст, масло. Размер: 169.6×163.4 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург #Story_surreal

На большинстве картин Марка Шагала можно увидеть персонажей, которые парят в воздухе, и лица их светятся счастьем и любовью. Каждому из нас известно выражение «Любовь окрыляет». Её сила безгранична, она поднимает с колен безнадёжно павших. Марк Шагал был тем художником, которому удалось перенести саму суть этого состояния на полотно.

Для Марка Шагала Белла Розенфельд была женщиной судьбой. Знакомство с ней было знаковым: она была его маяком, музой, натурщицей и верной женой. Искусствоведы подсчитали, что ее облик можно увидеть более чем на 2 тысячах полотен Шагала, в их числе и картина «Прогулка».

Большой любитель русских пословиц, художник обыгрывал их в своих произведениях. Так, на картине Марка Шагала «Прогулка» мы видим интерпретацию пословицы о синице в руках и журавле в небе. Молодая влюбленная пара выбралась на загородную прогулку. Они нашли уютное место на окраине города: зеленая лужайка, ветви дерева, дающие тень, живописный вид на город с виднеющимися розоватыми стенами церкви. От молодых людей исходит сияние любви и радости, они настолько переполнены чувствами, что практически парят над землей.

Художник изобразил себя уверенно стоящим на земле и крепко держащим за руку любимую женщину, взмывшую ввысь в порыве чувств. В его правой руке смирно сидит птица — таким образом Шагал словно говорит зрителю, что бывают моменты, когда человеку не нужно делать выбор между синицей и журавлем из известной пословицы: он может взять от жизни все.
#Story_ruspainting

«Эльбрус», Архип Иванович Куинджи

1900 г. Бумага на картоне. Размер: 20 x 27.2 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург #Story_ruspainting

К началу ХХ века Куинджи превратился из незрелого самоучки, добывающего хлеб реставрацией фотографий, в признанного художника мирового значения. Он много и успешно экспериментировал с красками. К сожалению, краски, созданные им, были недолговечны и довольно быстро тускнели.

Архип Иванович Куинджи написал много картин, изображаюших гору Эльбрус в разное время дня и с разных ракурсов.Мы не можем насладиться представленной сегодня картиной из коллекции Русского музея в первозданном виде: даже реставрация не помогла восстановить изначальной яркости красок. Но, к счастью, она сохраняет для нас притягательность в силу непревзойденного мастерства исполнения.

Эльбрус показан при дневном свете, выглядывающим из тумана. Зритель чувствует, что величественная и огромная гора Эльбрус находится очень далеко, а под ним – пропасть, конца и края которой не видно. Это ощущение безграничности и величия очень характерно для творчества Куинджи.

«Горе», Николай Петрович Богданов-Бельский

1878 г. Холст, масло. Размер: 138,2×89 см. #Story_ruspainting

«Певец крестьянских детей» Николай Петрович Богданов-Бельский (1868 - 1945 ) был идеалистом, светлрй личностью. Когда Александр III пригласил его в воспитатели к своим детям, он ответил: «Найдется много людей, которые захотят заменить меня там. Но никто не захочет заменить меня здесь».( С.А.Рачинский).

Сегодня мы представляем жанровую картину, наполненную драматизмом. Крестьянин обхватил руками голову в безутешном горе у своей избушки. Умерла жена. Муж в отчаянии.

В то время ценностью для крестьянина являлась лошадь, корова, земля... одним словом хозяйство. Потом уже жена и в последнюю очередь дети, которых производили на свет чуть ли не каждый год. Иной раз до 15-ти детей в одной крестьянской семье. И не потому, что не было презервативов. Крестьянин очень ждал сыновей. Если рождались девочки, сразу зачинался новый ребёнок. Не нужно объяснять зачем.

Теперь с хозяйством нужно справляться самому. Нет больше матери у детей Что ждет их, сирот?

«Смерть Ивана Грозного», Константин Егорович Маковский

1888г. Холст, масло. Размер: 82 x 64 см. В 2014 году была похищена из частного собрания; местонахождение неизвестно.

Сюжет картины основан на рассказе английского дипломата Джерома Горсея о последних часах жизни Ивана Грозного. По мнению некоторых искусствоведов, в ее основе лежит пьеса Алексея Толстого «Смерть Иоанна Грозного».

Сэр Джером Горсей описал события 18 марта 1584 года, очевидцем и участником которых он был. Вот фрагмент из его «Записок о России»: «Бельский поспешил к царю, который готовился к бане. Около третьего часа дня царь пошел в нее, развлекаясь любимыми песнями, как он привык это делать, вышел около семи, хорошо освеженный. Его перенесли в другую комнату, посадили на постель, он позвал Родиона Биркина, дворянина, своего любимца, и приказал принести шахматы. Он разместил около себя своих слуг, своего главного любимца и Бориса Федоровича Годунова, а также других. Царь был одет в распахнутый халат, полотняную рубаху и чулки; вдруг ослабел и повалился навзничь. Произошло большое замешательство и крик, одни посылали за водкой, другие – в аптеку за ноготковой и розовой водой, а также за его духовником и лекарями. Тем временем он испустил дух». Тонкости перевода позволяют любителям конспирологических версий трактовать последнюю фразу (he was strangled) как «был удушен», но на полотна с таким сюжетом пока никто не вдохновился…

Аккуратный и добросовестный историк академик Степан Веселовский уже давно сформулировал позицию профессиональных исследователей относительно трагической картины, описанной Горсеем. Особого внимания «подробностям» он не уделил, а лишь констатировал: «Царь Иван умер после непродолжительной болезни, приняв на одре болезни монашеский чин. Ходили темные слухи, что он был задушен своими любимцами Богданом Бельским и Борисом Годуновым. Проверить эти слухи, конечно, невозможно, но ничего невероятного в этом нет».

Персонажи, изображённые на картине:

• В центре картины изображён лежащий в кресле царь Иван IV Грозный.
• Над ним склонилась царица Мария Фёдоровна Нагая — седьмая жена Ивана Грозного. Она молода и красива, что контрастирует с престарелым царём. Некоторые искусствоведы отмечают иронию художника в этом изображении — Маковский изобразил женщину с нелепо вскинутыми руками, напоминающей «кудахчущую наседку», бесполезную в этой трагической ситуации[20].
• Две коленопреклоненные фигуры у кресла Грозного — шут (слева) и заграничный лекарь (справа). Для шута позировал известный в своё время писатель и актёр, представитель литературно-сценического жанра устного рассказа, И. Ф. Горбунов. Английский доктор Якоби бросается к царю, чтобы оказать ему помощь, — в спешке отброшена шляпа, приготовлен тазик для кровопускания, распахнут ящик с лекарствами.
• Борис Фёдорович Годунов (крайняя фигура в левой части картины) встал со своего кресла, словно желая занять пока не освободившийся трон. Он чувствует себя предельно уверенно.
• Богдан Бельский, игравший с царём в шахматы, привстаёт со своего места. Его изображение — портрет князя П. П. Вяземского, российского дипломата, сенатора и литератора из рода Вяземских[21].
• Царевич Фёдор Иванович изображён в объятиях своей испуганной жены Ирины Годуновой, которую художник писал со своей второй жены Ю. П. Летковой.
• Василий Шуйский (за фигурой царицы) крестится , обративший лицо к небесам.
• Старая нянька царя (в правой части картины) направляется к умирающему царю, опираясь на клюку.

Картина Маковского «Смерть Ивана Грозного» была представлена весной 1888 года на коллективных выставках в Петербурге, а затем в Москве, Варшаве и городах США. В 1889 году она выставлялись на Всемирной выставке в Париже вместе с двумя другими работами Маковского — «Демон и Тамара» и «Суд Париса». Картины получили большую золотую медаль I класса выставки, французское правительство также наградило художника орденом Почётного легиона за картину «Смерть Ивана Грозного»

В июне 2014 года пресса сообщила о краже картины из московской частной галереи, где она была выставлена для продажи. Позже появилось сообщение, что ворами оказались 33-летний уроженец Грузии и 38-летний уроженец Азербайджана. Они были задержаны в ходе расследования кражи в ювелирном магазине на Арбате. По оставленным отпечаткам пальцев выяснилось, что эти люди похитили и картины из салона в гостинице «Мариотт». Сотрудничать со следствием они отказывались, местонахождение картин не назвали[12].
Сообщений о находке похищенных картин в прессе не появлялось.
#Story_ruspainting

«Мальчик», Константин Егорович Маковский

1890-е. Холст, масло. Размер: 35 x 27, см. Частная коллекция #Story_ruspainting

По стилистическим признакам работа "Мальчик" имеет аналогии со многими произведениями мастера на тему детей и детства. Среди работ Константина Егоровича выделяется как множество жанровых сценок, изображающих детей за играми, домашними и бытовыми занятиями, так и портреты детей, которые занимают отдельное место в творчестве художника. Используя яркий, сочный колорит, с намеком на декоративность и романтизм, мастер эффектно передает фактуру тканей и перелив темных каштановых волос ребенка.

В правом верхнем углу картины расположена подпись "C.Makowsky", имеющая в начертании сходство с автографами художника Константина Егоровича Маковского (1839-1915). С помощью микроскопа было установлено, что подпись имеет общие признаки старения с красочным слоем работы.

Состояние живописных материалов, а также пигментный состав, выявленный в результате РФА (рентгенофлуоресцентный анализ), позволяют отнести время создания картины к концу XIX века. Снимок структуры этюда (также полученный в результате РФА), приемы построения красочного слоя и характер мазка при изображении деталей имеют аналогии с эталонными работами Маковского.

«Джованнина, сидящая на подоконнике», Павел Петрович Чистяков

1864 г. Холст, масло. Размер: 52x99,8 см. Государственный Русский музей #Story_ruspainting

Русский художник-реалист Павел Петрович Чистяков (1832−1919) был признанным мастером портретной и исторической живописи. Он оставил небезынтересное живописное наследие, однако число его работ невелико. У числу самых известных относится картина «Джованнина, сидящая на подоконнике»

В этой работе совершенно определенно обозначена апелляция к старому итальянскому искусству, изучение которого очень увлекало художника, а трактовка женского образа и его акцентированное гармоническое единство с несколько условным пейзажем приводят к восприятию конкретного портрета в духе романтической традиции как обобщенного образа Италии.

«Прощание Пушкина с морем», Иван Константинович Айвазовский

1887г. Холст, масло. Размер: 228 × 157 см. Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург. #Story_romanticism

В отличие от многих художников, изображавших великого русского поэта Айвазовский знал Пушкина лично (они познакомились в 1836 году на одной из выставок в Санкт-Петербурге). Правда, его знакомство с Александром Сергеевичем оказалось мимолетным. Однако Айвазовский стал приятелем с его вдовой, которая еще при той, первой встрече, как вспоминал художник, «нашла почему-то во мне тогда сходство с портретами ее славного мужа в молодости».

Великий поэт никогда не позировал великому маринисту. Картины с Пушкиным Айвазовский создает в последней четверти XIX столетия, через полвека после смерти своего кумира. Самой известной работой Айвазовского на пушкинскую тему считается картина «Прощание Пушкина с морем», написанная в 1887 году в соавторстве с Ильей Репиным. (Репин писал в этой картине фигуру Пушкина, Айвазовский - пейзажный фон).

Считается, что Айвазовский знал свою слабость в портрете, и сам пригласил Репина написать Пушкина в совместной картине. Позднее Репин так отозвался о совместной работе: «Дивное море написал Айвазовский. И я удостоился намалевать там фигурку».

Картина отсылает нас к стихотворению Пушкина «К морю».

Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.

Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз.

Моей души предел желанный!
Как часто по брегам твоим
Бродил я тихий и туманный,
Заветным умыслом томим!

Как я любил твои отзывы,
Глухие звуки, бездны глас
И тишину в вечерний час,
И своенравные порывы!

Смиренный парус рыбарей,
Твоею прихотью хранимый,
Скользит отважно средь зыбей:
Но ты взыграл, неодолимый,
И стая тонет кораблей.

Не удалось навек оставить
Мне скучный, неподвижный брег,
Тебя восторгами поздравить
И по хребтам твоим направить
Мой поэтической побег!

…………………………….

Прощай же, море! Не забуду
Твоей торжественной красы
И долго, долго слышать буду
Твой гул в вечерние часы.

В леса, в пустыни молчаливы
Перенесу, тобою полн,
Твои скалы, твои заливы,
И блеск, и тень, и говор волн.
#Story_ruspainting

«Портрет Уварова Стефана Никитича», Владимир Егорович Маковский

1917 г. Холст, масло. Размер: 73,0 x 49,5 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

Владимир Егорович Маковский (1846-1920) – русский художник, яркий представитель и один из руководителей Товарищества передвижных выставок. Личность героя его картины такая же яркая и противоречивая, как и его биография.

Уваров (Уваров-Скиталец) Стефан (Стефан Никитич, Степан Никитович, Степан Николаевич, Сергей Николаевич) – график, живописец, пропагандист русского искусства. Сочетание артистичной натуры, огромного обаяния, страсти, с которой он брался за новый проект, и неутомимой деятельности послужило тому, что жизнь его больше похожа на сюжет для увлекательного романа. Рембрантовский берет, развевающаяся белая борода, снаряжение путешественника, орудия естествоиспытателя и геральдические знаки – внешность его была не менее запоминающейся.

Вполне вероятно, что художник и модель были знакомы еще по МУЖВЗ, где они оба учились. Оба в дальнейшем преподавали, только В. Маковский в МУЖВЗ и АХ в Петербурге, а С. Уваров – в деревнях и селах.

В портрете Уварова Владимиру Маковскому удалось создать яркий законченный образ самобытного художника, человека, превратившего свою жизнь в удивительное представление. Мастер традиционно поместил своего героя в привычную для него обстановку, вероятно, мастерской. Художник тщательно разрабатывает все детали экстравагантного костюма модели так, что Уваров мог вполне счесть этот портрет комплиментарным.

«Последняя весна», Яков Прокопьевич Турлыгин

1884 г. Холст, масло. Размер: 132x85 см. Вольский краеведческий музей #Story_ruspainting

Одной из самых распространенных болезней XIX века была чахотка, или легочный туберкулез. Ею болели и простые рабочие на фабриках, и представители знатного сословия, и молодые студенты и студентки. На заболеваемость серьезно влиял влажный климат, высокая скученность жителей в городах, плохое питание и неразвитая медицинская помощь. Основными признаками болезни были бледность, жар, продолжительный кашель, мокрота с кровью. В запущенных случаях легкие покрывались небольшими бугорками, и больной постепенно угасал.

«Последняя весна» - одна из самых драматических картин художника. На ней изображена молодая девушка в длинном белом платье, сидящая на подоконнике перед распахнутым настежь окном. Яркий дневной свет падает на ее лицо и тело, но при этом не освещает темную мрачную спальню.

Бледная, со впалыми щеками и тусклым взглядом девушка выглядит печальной и изможденной. У ее ног лежит смятый конверт с красной сургучной печатью. Справа в глубине комнаты видна незастеленная постель и прикроватный столик, уставленный пузырьками с лекарствами. Эти детали намекают зрителю о том, что девушка серьезно больна. Скорее всего, она понимает, что уже не поправится.

Лежащие на подоконнике конспекты говорят о том, что героиня картины — студентка. В XIX веке считали, что чахотке особенно подвержены люди, занятые учебой или умственным трудом. «Домашний лечебник» 1830-х годов утверждал следующее: «Беспрестанное прилежание в немногие месяцы часто разрушало наилучшее телосложение… Чахотка, столь часто у них [ученых] случающаяся, происходит от согбенного и беспрестанно сидячего положения тела».

Русский художник исторического и бытового жанра Яков Прокопьевич Турлыгин (1858-1909) учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Был членом Московского товарищества художников с 1893 года и экспонентом Товарищества передвижных художественных выставок.

«Человек, улетевший в космос из своей комнаты», Илья Кабаков.

1985. Тотальная инсталляция. Центр Жоржа Помпиду, Париж. #Story_contemporary

Илья Кабаков был и остается первым русским художником, который понял, что современное искусство выходит за рамки двухмерной картины. Он начал экспериментировать еще в конце 1960-х и вскоре расположил свои произведения в пространстве и времени свободно и смело.

В 1980 году Илья Кабаков начинает создавать инсталляции, которые со временем становятся все более масштабными. Художник назовет их «тотальными»: по сложности исполнения они представляют собой Gesamkunstwerk — универсальные произведения, объединяющие в себе различные виды искусства. Зритель в буквальном смысле может войти в сотворенный художником мир, увидеть его изнутри, прочувствовать — и стать его частью.

Несмотря на то что сам Кабаков никогда не жил в коммунальной квартире, она представлялась ему квинтэссенцией нелепости и унизительности советского быта. В этом царстве абсурда могло произойти все, что угодно.

Все дети в СССР мечтали стать космонавтами. Герой инсталляции Кабакова решил не дожидаться, когда полеты в космос станут доступны всем. Он сконструировал похожий на катапульту механизм, чертежи которого вместе с утопическими агитплакатами. В книжке-раскладушке, которая стоит на полке у входа в комнату, рассказана история инженера Николаева, хозяина стоптанных тапок и старой койки. Он проделал в потолке огромную дыру и исчез, сбежав таким образом из скудного «здесь» в многообещающее и неизведанное «там».

Достиг ли он желанной цели, улетел ли в космос? Вопрос остается открытым. Главное — он вырвался за пределы душащей советской действительности, о чем с детства мечтал сам художник.

Инсталляция «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1985) — это манифест миллиардов. Вырваться из пут ежедневного быта, выстрелить собою в прекрасное далеко, в иной масштаб, в светлое будущее — нам всем нужна личная мечта, персональная утопия. Недаром Кабаковых понимают всюду — от Америки до Японии, несмотря на инопланетность культуры советских общежитий и коммунальных кухонь.

Эта работа была и остается одной из главных, смыслообразующих для всего творчества Кабаковых. Благодаря ей художников называют продолжателями темы русского космизма.
#Story_ruspainting

«Радуга», Арнольд Борисович Лаховский

1917 г. Картон, масло. Размер: 23,2 x 31,5 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

А.Б. Лаховский (1880−1937) писал портреты, жанровые картины, увлекался графикой. Участвовал во многих объединениях художников. Особенно почетными считал для себя Товарищество передвижных художественных выставок и Общество имени А.И. Куинджи. Его частое участие в выставках принесло ему известность.

Арнольд Борисович часто выбирал для своих работ камерные сюжеты, в которых нет дикой необузданной стихии, а жизнь природы неотделима от жизни человека. Несмотря на склонность к идиллии, "чистые" пейзажи у Лаховского встречаются нечасто. Данная работа как раз такой редкий случай.

Художник расположил дома на полотне вдоль линии горизонта. Пространство первого плана он оставил свободным, приглашая зрителя рассмотреть детали в глубине картины. Деревенские домики написаны автором обобщенно, цветом, без детализации. В большинстве пейзажей Лаховский удачно пользуется стаффажем. Для художника важно ощущение присутствия человека в картине. В данной картине это присутствие выражено пасущимся за околицей стадом коров. Все детали повествуют о повседневной жизни обитателей деревни.

В пейзаже "Радуга" присутствует естественная непосредственность этюда, сделанного с натуры. На полотне автор запечатлел радугу – мгновенное состояние природы, импрессионистически легко передал цветом настроение дня.
#история_pictures_detail

«Повар и кухарка (Опять они ссорятся )», Владимир Егорович Маковский

1912 г. Дерево, масло. Размер: 32х40 см. Вологодская областная картинная галерея #Story_ruspainting

Маковский Владимир Егорович (1846-1920) – русский художник, яркий представитель и один из руководителей Товарищества передвижных выставок. Лучше всего Маковскому удавались небольшие жанровые картины, идеально – с двумя персонажами. Он – признанный мастер «малого жанра». Эпизоды повседневной жизни – любимая тема художника. «Повар и кухарка (Опять они ссорятся )» – именно такая занимательная и познавательная жанровая картина.

Во многих дворянских домах штат прислуги был очень большим. Блюда для барского стола часто готовили повара. Специально обученный повар стоил дороже целой деревни. Кухарки готовили обычно для прислуги, и повара смотрели на них свысока.

В небогатых семьях повседневную пищу готовила одна кухарка, а поваров приглашали только время от времени для особых случаев. Кухарки их часто недолюбливали, так как им казалось, что это подрывает их «кулинарный авторитет», раз хозяева не хотят угощать гостей их стряпней и зовут кого-то со стороны. Конфликты возникали нередко. Именно такой конфликт изобразил на своей картине Владимир Егорович Маковский.

«Возвращение с охоты», Иван Павлович Похитонов

1990-е. Дерево, масло. Размер: 21,5 x 35,8 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

Художник Иван Павлович Похитонов (1850 -1923) прославился в Европе, куда поехал в 1877 году - перенимать мастерство у французских художников. И уже оттуда высылал Павлу Третьякову свои миниатюры, размером примерно с тетрадный лист: основатель знаменитой галереи купил больше 20-ти работ Похитонова.

Характер изобразительного мотива и его художественное воплощение сближают картину «Возвращение с охоты» с эталонными зимними пейзажами, созданными И.П. Похитоновым в середине
1880-х – начале 1890-х годов во Франции, и после 1893 года в Бельгии, в предместьях Льежа Жюпиле и Брессу. Подобные пейзажи экспонировались на прижизненных (включая персональные) и посмертных выставках произведений Похитонова в Бельгии и России.

В настоящее время достаточно широко представлены в собраниях центральных отечественных музеев и крупнейших частных коллекциях. Так, например, в Саратовском музее им. А.Н. Радищева хранится картина "Зимний пейзаж", поступившая в коллекцию в 1892 году от А.П. Боголюбова.
#история_pictures_detail

«Озеро Мстино (Острова Куинджи)», Сергей Петрович Ткачёв

1990 г. Картон, масло,. Размер: 48x68 см. Музей братьев Ткачёвых #Story_ruspainting

Места в районе озера Мстино вдохновляли многих художников. Именно здесь в конце XIX века была создана летняя резиденция Императорской Академии художеств, куда малоимущие студенты отправлялись на практику. «Академичку» нередко посещал мастер пейзажной живописи Архип Куинджи. Ходит предание, что однажды художник отмечал на острове свой юбилей — студенты устроили в его честь факельное шествие на лодках вплоть до дальних островов, и с тех пор эти острова называют «островами Куинджи». Эта легенда отразилась и в названии картины Сергея Ткачёва.

Алексей и Сергей Ткачёвы впервые побывали на «Академичке» в июле 1954 года. По их признанию, в этом месте они ощутили неподдельную творческую свободу.

Сергей Ткачёв изобразил вид на водоем в закатном свете. Мастеру удалось добиться необычайной реалистичности изображения. Художник использовал естественные природные оттенки оранжевого и светло-жёлтого цветов, создавая мягкие тональные переходы между ними.

Художник сумел передать ощущение покоя, которое чувствуется при виде озера в закатном свете. Лодка вдалеке не нарушает этого впечатления — она как будто замерла на спокойной глади воды.