«Мальчик», Константин Егорович Маковский

1890-е. Холст, масло. Размер: 35 x 27, см. Частная коллекция #Story_ruspainting

По стилистическим признакам работа "Мальчик" имеет аналогии со многими произведениями мастера на тему детей и детства. Среди работ Константина Егоровича выделяется как множество жанровых сценок, изображающих детей за играми, домашними и бытовыми занятиями, так и портреты детей, которые занимают отдельное место в творчестве художника. Используя яркий, сочный колорит, с намеком на декоративность и романтизм, мастер эффектно передает фактуру тканей и перелив темных каштановых волос ребенка.

В правом верхнем углу картины расположена подпись "C.Makowsky", имеющая в начертании сходство с автографами художника Константина Егоровича Маковского (1839-1915). С помощью микроскопа было установлено, что подпись имеет общие признаки старения с красочным слоем работы.

Состояние живописных материалов, а также пигментный состав, выявленный в результате РФА (рентгенофлуоресцентный анализ), позволяют отнести время создания картины к концу XIX века. Снимок структуры этюда (также полученный в результате РФА), приемы построения красочного слоя и характер мазка при изображении деталей имеют аналогии с эталонными работами Маковского.

«Джованнина, сидящая на подоконнике», Павел Петрович Чистяков

1864 г. Холст, масло. Размер: 52x99,8 см. Государственный Русский музей #Story_ruspainting

Русский художник-реалист Павел Петрович Чистяков (1832−1919) был признанным мастером портретной и исторической живописи. Он оставил небезынтересное живописное наследие, однако число его работ невелико. У числу самых известных относится картина «Джованнина, сидящая на подоконнике»

В этой работе совершенно определенно обозначена апелляция к старому итальянскому искусству, изучение которого очень увлекало художника, а трактовка женского образа и его акцентированное гармоническое единство с несколько условным пейзажем приводят к восприятию конкретного портрета в духе романтической традиции как обобщенного образа Италии.

«Прощание Пушкина с морем», Иван Константинович Айвазовский

1887г. Холст, масло. Размер: 228 × 157 см. Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург. #Story_romanticism

В отличие от многих художников, изображавших великого русского поэта Айвазовский знал Пушкина лично (они познакомились в 1836 году на одной из выставок в Санкт-Петербурге). Правда, его знакомство с Александром Сергеевичем оказалось мимолетным. Однако Айвазовский стал приятелем с его вдовой, которая еще при той, первой встрече, как вспоминал художник, «нашла почему-то во мне тогда сходство с портретами ее славного мужа в молодости».

Великий поэт никогда не позировал великому маринисту. Картины с Пушкиным Айвазовский создает в последней четверти XIX столетия, через полвека после смерти своего кумира. Самой известной работой Айвазовского на пушкинскую тему считается картина «Прощание Пушкина с морем», написанная в 1887 году в соавторстве с Ильей Репиным. (Репин писал в этой картине фигуру Пушкина, Айвазовский - пейзажный фон).

Считается, что Айвазовский знал свою слабость в портрете, и сам пригласил Репина написать Пушкина в совместной картине. Позднее Репин так отозвался о совместной работе: «Дивное море написал Айвазовский. И я удостоился намалевать там фигурку».

Картина отсылает нас к стихотворению Пушкина «К морю».

Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.

Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз.

Моей души предел желанный!
Как часто по брегам твоим
Бродил я тихий и туманный,
Заветным умыслом томим!

Как я любил твои отзывы,
Глухие звуки, бездны глас
И тишину в вечерний час,
И своенравные порывы!

Смиренный парус рыбарей,
Твоею прихотью хранимый,
Скользит отважно средь зыбей:
Но ты взыграл, неодолимый,
И стая тонет кораблей.

Не удалось навек оставить
Мне скучный, неподвижный брег,
Тебя восторгами поздравить
И по хребтам твоим направить
Мой поэтической побег!

…………………………….

Прощай же, море! Не забуду
Твоей торжественной красы
И долго, долго слышать буду
Твой гул в вечерние часы.

В леса, в пустыни молчаливы
Перенесу, тобою полн,
Твои скалы, твои заливы,
И блеск, и тень, и говор волн.
#Story_ruspainting

«Портрет Уварова Стефана Никитича», Владимир Егорович Маковский

1917 г. Холст, масло. Размер: 73,0 x 49,5 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

Владимир Егорович Маковский (1846-1920) – русский художник, яркий представитель и один из руководителей Товарищества передвижных выставок. Личность героя его картины такая же яркая и противоречивая, как и его биография.

Уваров (Уваров-Скиталец) Стефан (Стефан Никитич, Степан Никитович, Степан Николаевич, Сергей Николаевич) – график, живописец, пропагандист русского искусства. Сочетание артистичной натуры, огромного обаяния, страсти, с которой он брался за новый проект, и неутомимой деятельности послужило тому, что жизнь его больше похожа на сюжет для увлекательного романа. Рембрантовский берет, развевающаяся белая борода, снаряжение путешественника, орудия естествоиспытателя и геральдические знаки – внешность его была не менее запоминающейся.

Вполне вероятно, что художник и модель были знакомы еще по МУЖВЗ, где они оба учились. Оба в дальнейшем преподавали, только В. Маковский в МУЖВЗ и АХ в Петербурге, а С. Уваров – в деревнях и селах.

В портрете Уварова Владимиру Маковскому удалось создать яркий законченный образ самобытного художника, человека, превратившего свою жизнь в удивительное представление. Мастер традиционно поместил своего героя в привычную для него обстановку, вероятно, мастерской. Художник тщательно разрабатывает все детали экстравагантного костюма модели так, что Уваров мог вполне счесть этот портрет комплиментарным.

«Последняя весна», Яков Прокопьевич Турлыгин

1884 г. Холст, масло. Размер: 132x85 см. Вольский краеведческий музей #Story_ruspainting

Одной из самых распространенных болезней XIX века была чахотка, или легочный туберкулез. Ею болели и простые рабочие на фабриках, и представители знатного сословия, и молодые студенты и студентки. На заболеваемость серьезно влиял влажный климат, высокая скученность жителей в городах, плохое питание и неразвитая медицинская помощь. Основными признаками болезни были бледность, жар, продолжительный кашель, мокрота с кровью. В запущенных случаях легкие покрывались небольшими бугорками, и больной постепенно угасал.

«Последняя весна» - одна из самых драматических картин художника. На ней изображена молодая девушка в длинном белом платье, сидящая на подоконнике перед распахнутым настежь окном. Яркий дневной свет падает на ее лицо и тело, но при этом не освещает темную мрачную спальню.

Бледная, со впалыми щеками и тусклым взглядом девушка выглядит печальной и изможденной. У ее ног лежит смятый конверт с красной сургучной печатью. Справа в глубине комнаты видна незастеленная постель и прикроватный столик, уставленный пузырьками с лекарствами. Эти детали намекают зрителю о том, что девушка серьезно больна. Скорее всего, она понимает, что уже не поправится.

Лежащие на подоконнике конспекты говорят о том, что героиня картины — студентка. В XIX веке считали, что чахотке особенно подвержены люди, занятые учебой или умственным трудом. «Домашний лечебник» 1830-х годов утверждал следующее: «Беспрестанное прилежание в немногие месяцы часто разрушало наилучшее телосложение… Чахотка, столь часто у них [ученых] случающаяся, происходит от согбенного и беспрестанно сидячего положения тела».

Русский художник исторического и бытового жанра Яков Прокопьевич Турлыгин (1858-1909) учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Был членом Московского товарищества художников с 1893 года и экспонентом Товарищества передвижных художественных выставок.

«Человек, улетевший в космос из своей комнаты», Илья Кабаков.

1985. Тотальная инсталляция. Центр Жоржа Помпиду, Париж. #Story_contemporary

Илья Кабаков был и остается первым русским художником, который понял, что современное искусство выходит за рамки двухмерной картины. Он начал экспериментировать еще в конце 1960-х и вскоре расположил свои произведения в пространстве и времени свободно и смело.

В 1980 году Илья Кабаков начинает создавать инсталляции, которые со временем становятся все более масштабными. Художник назовет их «тотальными»: по сложности исполнения они представляют собой Gesamkunstwerk — универсальные произведения, объединяющие в себе различные виды искусства. Зритель в буквальном смысле может войти в сотворенный художником мир, увидеть его изнутри, прочувствовать — и стать его частью.

Несмотря на то что сам Кабаков никогда не жил в коммунальной квартире, она представлялась ему квинтэссенцией нелепости и унизительности советского быта. В этом царстве абсурда могло произойти все, что угодно.

Все дети в СССР мечтали стать космонавтами. Герой инсталляции Кабакова решил не дожидаться, когда полеты в космос станут доступны всем. Он сконструировал похожий на катапульту механизм, чертежи которого вместе с утопическими агитплакатами. В книжке-раскладушке, которая стоит на полке у входа в комнату, рассказана история инженера Николаева, хозяина стоптанных тапок и старой койки. Он проделал в потолке огромную дыру и исчез, сбежав таким образом из скудного «здесь» в многообещающее и неизведанное «там».

Достиг ли он желанной цели, улетел ли в космос? Вопрос остается открытым. Главное — он вырвался за пределы душащей советской действительности, о чем с детства мечтал сам художник.

Инсталляция «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» (1985) — это манифест миллиардов. Вырваться из пут ежедневного быта, выстрелить собою в прекрасное далеко, в иной масштаб, в светлое будущее — нам всем нужна личная мечта, персональная утопия. Недаром Кабаковых понимают всюду — от Америки до Японии, несмотря на инопланетность культуры советских общежитий и коммунальных кухонь.

Эта работа была и остается одной из главных, смыслообразующих для всего творчества Кабаковых. Благодаря ей художников называют продолжателями темы русского космизма.
#Story_ruspainting

«Радуга», Арнольд Борисович Лаховский

1917 г. Картон, масло. Размер: 23,2 x 31,5 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

А.Б. Лаховский (1880−1937) писал портреты, жанровые картины, увлекался графикой. Участвовал во многих объединениях художников. Особенно почетными считал для себя Товарищество передвижных художественных выставок и Общество имени А.И. Куинджи. Его частое участие в выставках принесло ему известность.

Арнольд Борисович часто выбирал для своих работ камерные сюжеты, в которых нет дикой необузданной стихии, а жизнь природы неотделима от жизни человека. Несмотря на склонность к идиллии, "чистые" пейзажи у Лаховского встречаются нечасто. Данная работа как раз такой редкий случай.

Художник расположил дома на полотне вдоль линии горизонта. Пространство первого плана он оставил свободным, приглашая зрителя рассмотреть детали в глубине картины. Деревенские домики написаны автором обобщенно, цветом, без детализации. В большинстве пейзажей Лаховский удачно пользуется стаффажем. Для художника важно ощущение присутствия человека в картине. В данной картине это присутствие выражено пасущимся за околицей стадом коров. Все детали повествуют о повседневной жизни обитателей деревни.

В пейзаже "Радуга" присутствует естественная непосредственность этюда, сделанного с натуры. На полотне автор запечатлел радугу – мгновенное состояние природы, импрессионистически легко передал цветом настроение дня.
#история_pictures_detail

«Повар и кухарка (Опять они ссорятся )», Владимир Егорович Маковский

1912 г. Дерево, масло. Размер: 32х40 см. Вологодская областная картинная галерея #Story_ruspainting

Маковский Владимир Егорович (1846-1920) – русский художник, яркий представитель и один из руководителей Товарищества передвижных выставок. Лучше всего Маковскому удавались небольшие жанровые картины, идеально – с двумя персонажами. Он – признанный мастер «малого жанра». Эпизоды повседневной жизни – любимая тема художника. «Повар и кухарка (Опять они ссорятся )» – именно такая занимательная и познавательная жанровая картина.

Во многих дворянских домах штат прислуги был очень большим. Блюда для барского стола часто готовили повара. Специально обученный повар стоил дороже целой деревни. Кухарки готовили обычно для прислуги, и повара смотрели на них свысока.

В небогатых семьях повседневную пищу готовила одна кухарка, а поваров приглашали только время от времени для особых случаев. Кухарки их часто недолюбливали, так как им казалось, что это подрывает их «кулинарный авторитет», раз хозяева не хотят угощать гостей их стряпней и зовут кого-то со стороны. Конфликты возникали нередко. Именно такой конфликт изобразил на своей картине Владимир Егорович Маковский.

«Возвращение с охоты», Иван Павлович Похитонов

1990-е. Дерево, масло. Размер: 21,5 x 35,8 см. Частная коллекция #Story_ruspainting

Художник Иван Павлович Похитонов (1850 -1923) прославился в Европе, куда поехал в 1877 году - перенимать мастерство у французских художников. И уже оттуда высылал Павлу Третьякову свои миниатюры, размером примерно с тетрадный лист: основатель знаменитой галереи купил больше 20-ти работ Похитонова.

Характер изобразительного мотива и его художественное воплощение сближают картину «Возвращение с охоты» с эталонными зимними пейзажами, созданными И.П. Похитоновым в середине
1880-х – начале 1890-х годов во Франции, и после 1893 года в Бельгии, в предместьях Льежа Жюпиле и Брессу. Подобные пейзажи экспонировались на прижизненных (включая персональные) и посмертных выставках произведений Похитонова в Бельгии и России.

В настоящее время достаточно широко представлены в собраниях центральных отечественных музеев и крупнейших частных коллекциях. Так, например, в Саратовском музее им. А.Н. Радищева хранится картина "Зимний пейзаж", поступившая в коллекцию в 1892 году от А.П. Боголюбова.
#история_pictures_detail

«Озеро Мстино (Острова Куинджи)», Сергей Петрович Ткачёв

1990 г. Картон, масло,. Размер: 48x68 см. Музей братьев Ткачёвых #Story_ruspainting

Места в районе озера Мстино вдохновляли многих художников. Именно здесь в конце XIX века была создана летняя резиденция Императорской Академии художеств, куда малоимущие студенты отправлялись на практику. «Академичку» нередко посещал мастер пейзажной живописи Архип Куинджи. Ходит предание, что однажды художник отмечал на острове свой юбилей — студенты устроили в его честь факельное шествие на лодках вплоть до дальних островов, и с тех пор эти острова называют «островами Куинджи». Эта легенда отразилась и в названии картины Сергея Ткачёва.

Алексей и Сергей Ткачёвы впервые побывали на «Академичке» в июле 1954 года. По их признанию, в этом месте они ощутили неподдельную творческую свободу.

Сергей Ткачёв изобразил вид на водоем в закатном свете. Мастеру удалось добиться необычайной реалистичности изображения. Художник использовал естественные природные оттенки оранжевого и светло-жёлтого цветов, создавая мягкие тональные переходы между ними.

Художник сумел передать ощущение покоя, которое чувствуется при виде озера в закатном свете. Лодка вдалеке не нарушает этого впечатления — она как будто замерла на спокойной глади воды.

«Пионер», Александр Александрович Дейнека

1934 г. Холст, масло; Размер: 86x96 см. Курская картинная галерея им. А.А. Дейнеки #Story_ruspainting

Картина была написана в ранний период творческого пути Александра Дейнека, который условно можно охарактеризовать как последовательный переход от «графичности» к большей живописности полотен, работой на пленэре.
В начале 1930-х, советские люди были воодушевленная призывом «отца всех народов» «летать выше всех, дальше всех, быстрее всех», переживала настоящий авиационный восторг. Советские пионеры грезили о славе, мечтали повторить подвиги летчиков Валерия Чкалова, Михаила Громова, Сигизмунда Леваневского, Михаила Водопьянова, Владимира Коккинаки, имена которых были на слуху, в разговорах и газетных публикациях.

Дейнека был необычайно увлечён всем, что было связано с авиацией, он часто встречался с лётчиками. Именно авиация, по словам художника, помогла ему сделать ряд картин, которые он считал впоследствии одними из самых любимых и искренних своих работ. Новатор в композиции, он апробирует новые композиционные приемы в каждой работе. Его картина «Пионер» лежит в рамках разрабатываемых художником тем и новых композиционных поисков.

На картине подросток — ребенок и в то же время — молодое поколение советской страны. Общество было охвачено этой темой — небо и самолеты — одна из самых почитаемых и разрабатываемых самим художником. А лиризм и интимность полотна можно объяснить закрытостью в собственном «мире красоты», реакцией на отвержение новаторства в руководстве искусством после 1932 года.

«Вечер», Константин Алексеевич Коровин

1917 г. Холст, масло. Размер: 111x90 см. Тверская областная картинная галерея #Story_ruspainting

Художника Константина Алексеевича Коровина нередко называли «первым русским импрессионистом». Действительно, художник бывал во Франции — стране, где зародилось и активно развивалось это живописное направление. Коровин посетил Париж в 1887, 1892 и 1893 годах. Там он смог познакомиться с работами таких знаменитых представителей этого направления в искусстве как Клод Моне, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Камиль Писсарро и другими. Конечно, все они произвели на художника сильное впечатление, их художественный язык удивительным образом гармонировал с мировосприятием самого художника. В Париж Коровин возвращался неоднократно. Городские пейзажи, написанных художником во Франции, почти неотличимы от работ импрессионистов. Интересно, что Коровину удавались не только дневные, но и в особой мере — вечерние и ночные пейзажи, когда улицы города освещали фонари, а из ночных кафе лилась музыка.

С 1900-х годов Константин Коровин много работал в театрах. Он создавал декорации и эскизы костюмов. Художник занимался оформлением спектаклей Большого, Мариинского театра, а также театра Ла Скала в Милане.

Важная и большая часть творческой жизни художника связана с Крымом. Там, в поселке Гурзуф, художник в начале XX века купил дачу. Он назвал её «Саламбо» в честь недавно оконченной работы по оформлению балета Андрея Фёдоровича Арендса «Саламбо» по одноименному роману Гюстава Флобера. Дачу в Крыму художник построил по собственному проекту. Здесь он подолгу жил и работал на протяжении 1910–1917 годов. В гости к Константину Коровину в Гурзуф приезжали художники Илья Ефимович Репин и Василий Иванович Суриков, писатели Максим Горький, Александр Иванович Куприн, Дмитрий Наркисович Мамин-Сибиряк, певец Федор Иванович Шаляпин. В 1913 году в семье Коровина случилось несчастье — его сын попал под колеса трамвая и остался инвалидом. Художник тяжело переживал несчастье, случившееся с его сыном, и надолго уехал в Гурзуф.

Здесь Коровин активно писал крымские розы, кипарисы, морские причалы, залитые солнцем южные улицы — картины, наполненные яркими жизнерадостными красками и солнечным светом. Немного другое настроение несет картина «Вечер». На ней изображена теплая южная ночь. Окна открыты нараспашку, в них на ярко-синей глади ночного моря виднеется лунная дорожка. На столе — букет роз. Рядом с нежными цветочными бутонами возникает женский силуэт с гитарой. По манере исполнения картины быстрыми, яркими мазками её можно отнести к импрессионизму. Художнику, как и в случае с французскими пейзажами, удаётся написать «ночную» картину, передав особое настроение этого времени суток. Только здесь, в отличие от оживленных бульваров Парижа, художник создает атмосферу более уютную, домашнюю, камерную.
ГБУК ТО Тверская областная картинная галерея

«Шостакович», Александр Григорьевич Ситников

1993 г. Холст, смешанная техника, коллаж. Размер: 140x130 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург #Story_ruspainting

В истории отечественного искусства 1970-х годов фигура Александра Григорьевича Ситникова занимает особое место. Принятый в официальный сонм современных советских художников, допущенный к международным выставкам, Ситников, однако, всегда следовал по собственному творческому пути, не пересекавшемуся ни с магистральным курсом соцреализма, ни с бурлящей контркультурой нонконформистов.

Работы Ситникова, изобилующие мифологическими отсылками и культурными кодами, ловят непосвященного зрителя в лабиринт своих наслаивающихся форм, линий и ярких красок и оставляют его разгадывать философские шарады их создателя.

Картина «Шостакович» подарена Русскому музею самим автором в 2013 году. По словам художника, источником вдохновения для него является музыка, а Дмитрий Шостакович — сильнейшее художественное воплощение XX века.

Его музыка проникнута любовью к человеку, верой в его благородство, волю и разум, она обличает жестоких тиранов, кровавые бойни и тоталитаризм, подавляющий любое проявление личностной свободы.
Образ, созданный Ситниковым, метафоричен — это портрет-знак, где на первый план выдвигается игра с живописными формами.
Художник делает зримыми слова, сказанные о Шостаковиче дирижером Евгением Мравинским:
Он был распят на музыке
Распластанная в пространстве холста фигура музыканта, действительно кажется распятой крестообразно пересекающимися линиями композиции.

Запрокинутая голова и множащиеся кисти рук, застывшие над клавиатурой, воспринимаются как фиксация состояния наивысшего творческого напряжения.

Словно подчиняясь логике композиторской мысли, тягучие формы человеческого тела преломляются геометрией треугольников, и слагаются в упорядоченную пространственную структуру.

Звук материализуется в цвет. И все становится ощутимо. Все слышно. Все живет.

«Зимний вечер близ Дерпта», Юлий Юльевич Клевер (Юлиус Сергиус фон Клевер)

1911 г. Холст, масло. Размер: 53,5 x 71,0 см. Частное собрание #Story_ruspainting

Произведения Юлия Клевера-старшего (1850 - 1924) когда-то знала и любила вся Россия. Его пейзажи пользовались широчайшей известностью. Тысячи репродукций с многочисленных картин Клевера расходились по стране, далеко за пределы Петербурга, в котором художник работал большую часть жизни.

Вечерние зимние пейзажи с изображением домиков в лесу и идущих по дороге путников были одними из самых распространенных произведений в творчестве Юлия Юльевича Клевера. В композициях с закатным освещением особенно ярко проявилось живописное дарование художника, его любовь к насыщенным, эффектным колоритам. Такие работы имели огромную популярность у публики и коллекционеров, в связи с чем художник создавал множество вариаций популярных мотивов.

Авторский почерк Клевера представляет собой уникальное сочетание русского реалистического пейзажа и пленэрной живописи с традициями немецкого романтизма с присущим ему драматическим звучанием пейзажа и яркими колоритами. Картины отличает разнообразная и выразительная фактура красочного слоя, сочетающая протяженные лессировочные участки с пастозными деталями.

Картина "" представляет собой характерный образец таких произведений, а также свойственные работам живописца колористическое и композиционное решение. Согласно названию, на картине изображены окрестности Дерпта (Тарту, Юрьев) - родного города Юлия Юльевича Клевера. На протяжении своей жизни он неоднократно приезжал в Эстонию и выполнял виды местных ландшафтов. Такие сюжеты были одними из самых узнаваемых и характерных в его творчестве.

Существует авторский вариант этой картины, также датированный 1911 годом, хранящийся в частном собрании.

«Трутни», Раиса Дмитриевна Зенькова

1949 г. #Story_ruspainting #Story_realism

Встречается также второе название: "Тунеядки". Картина продолжает традиции критического реализма русской живописи в духе Павла Федотова с его шедеврами вроде "Сватовства майора" - но с поправкой на советское время. Автор портрета эпохи - заслуженный художник РСФСР Раиса Дмитриевна Зенькова. Родилась в 1912; году в селе Графское Приморской области Дальневосточного края.

Роскошная квартира, в которой живут две праздные "Эллочки Людоедки", которые спят до полудня, целыми днями прихорашиваются и болтают по телефону с такими же подружками. Над ними - портрет заслуженного папы, скорее всего, военного, фронтовика, благодаря достижениям которого тетки катаются, как сыр в масле, и ведут паразитический образ жизни.
Обратите внимание на характерные детали быта: ковры, платок на абажуре, кофейник, раскиданные карты, модные шмотки, шляпки и меха... Разве пристало советской женщине утопать в подобном мещанстве?

А вот женщина справа - фигура загадочная. Возможно, это мать отбившихся от рук дочерей или домработница, которая с осуждением обслуживает "трутней".

Самое интересное, тема тунеядства не потеряла актуальности и в XXI веке.