«Принцесса и тролли», Йон Бауэр

(1913) Бумага, акварель. 25 х 25 см Национальный музей, Стокгольм, Швеция #Story_romanticism

Перед вами иллюстрация, сделанная шведским художником для сказки Хелены Нюблум «Подменыши». В ней рассказывается история о тролле, который похитил из колыбели маленькую принцессу Бьянку Марию, а положил в нее собственную дочь. Дети росли, но не были счастливы в новых семьях. В день своих свадеб они сбежали в родные дома. Фон приглушенных тонов создает атмосферу сказки и контрастирует с первым планом, более подробным и ярким. Как и литературный источник, Бауэр акцентирует противоположности – мрачность троллей и красоту принцессы, сумрак и свет.

Шведский художник Йон Бауэр с детства любил рисовать. В 18 лет он поступил в Королевскую академию изящных искусств, где познакомился со своей будущей женой Эстер Эллквист. В 1908–1910 супруги совершили поездку в Германию и Италию. В период с 1907 по 1915 мастер работал над иллюстрациями к антологии сказок «Среди эльфов и троллей». Благодаря его рисункам представление о принцессах, рыцарях, троллях и других персонажах сложилось у многих поколений шведских детей. Сборник оказался столь популярен, что Бауэр стал известен по всей стране.

В качестве модели Йон Бауэр часто использовал свою жену («Принцесса и тролли» не исключение). В 1918 отношения в семье разладились, и, чтобы сохранить брак, супруги с малолетним сыном Бенгтом решили переехать в Стокгольм. В том году, 1 октября, в Швеции произошла железнодорожная катастрофа, поэтому они взяли билеты на паром. По трагическому стечению обстоятельств он потерпел крушение, Бауэры погибли.

«Увядшие лавры», Эдмунд Лейтон

1889 г. Холст, масло. Размер: 70 x 47 см. Частная коллекция #Story_romanticism

Кельтская арфа - инструмент очень древний. Столь же древний, как и сама кельтская традиция. Это небольшая арфа, у которой грациозно изогнуты и рама, и стан. В отличие от классической оркестровой арфы, на которой играют кончиками пальцев, на кельтской играют ногтями.

Золотая Арфа является атрибутом кельтского бога Дагды, который, играя на ней, вызывал смену времён года. Кельты говорили, что арфа способна издавать три священные мелодии. Первая мелодия - мелодия грусти и умиления. Вторая - вызывающая сон: когда слушаешь её, душа наполняется состоянием покоя, а сам ты погружаешься в целительный сон. Третья мелодия арфы - это мелодия радости и возвращения весны.

Именно кельтская арфа находится в руках музыкантов, изображенных на картине британского художника Эдмунда Лейтона. На площади перед входом в замок собрались люди, внимательно слушающие игру молодого музыканта. На ближнем плане изображен второй человек с арфой. Когда-то этот пожилой музыкант покорял сердца людей волшебными звуками своей арфы. Но его время ушло, и на голове у него лишь венок из увядшего лавра. Одежда порвана, обувь изношена. Его песни уже никому не интересны.

У зрителей новые кумиры. Теперь они восхищаются игрой молодого музыканта. Они внимают загадочным звукам кельтской арфы, рождающим состояние гармонии и равновесия.

«Русалка», Говард Пайл

1910г. Холст, масло. Художественный музей Филадельфии #Story_romanticism

Незаконченная картина американского художника Говарда Пайла (1853-1911). Когда в ноябре 1910 года он отправился в длительное путешествие по Европе «Русалка» осталась на мольберте в студии. Последний год своей жизни он провел во Флоренции (Италия), где скоропостижно скончался в возрасте 58 лет.

На картине Говарда Пайла изображена мифическая русалка, восставшая из морской пучины, чтобы спасти потерпевшего кораблекрушение человека. Ученик Пайла Фрэнк Шуновер решил закончить «Русалку». Известно, что он добавил рыбу и краба. Несмотря на это картина кажется сырой и неполной. Намерения автора также остаются неизвестными. Скорее всего, Говард Пайл чувствовал, что его здоровье ухудшается и он скоро умрет. Возможно, «Русалка» показывает чувства художника к жене Анне - матери их семерых детей, которую он любил всю свою жизнь.

«Детский портрет Поля Пикассо», Пабло Пикассо

1923Г. Холст, масло. Размер: 27×22 см. Малага, Музей Пикассо

Первый ребенок родился у Пикассо в 1921 году в браке с Ольгой Хохловой, танцовщицей дягилевского «Русского балета», дочерью полковника из Нежина. Свежеиспеченному отцу в тот момент исполнилось сорок, мальчика в его честь назвали Пауло, Полем — на французский манер.

Биографы художника свидетельствуют, что первенца отчаянно баловали. Что неудивительно — Пикассо, казалось бы, остепенился, созрел для роли главы семьи, желал угодить жене настолько, что приобщился к буржуазному бытовому укладу и даже изменил свою живописную манеру на понятную ей реалистическую.

Художник много и охотно писал своего малыша — то в образе Арлекина, то в образе маленького тореро. Тем не менее, призрак трагического тупика уже брезжил в семейных отношениях, и для Пикассо брак фактически завершился через пять лет после рождения сына.

Пабло Пикассо не особо интересовался жизнью повзрослевшего Пауло. Художник продолжал откупаться от Пауло и Ольги, которая до самой своей смерти оставалась его законной женой — впрочем, откупался не слишком щедро. За весьма умеренное жалованье Пауло достаточно долго работал у собственного отца персональным шофером. Сын обманул его ожидания: он не был гениальным. «Никчемное создание! Анархист! Отродье белогварейки!», — мэтр не скупился на бранные эпитеты.

В последние годы жизни Поль плыл по волне пагубных пристрастий, все более отдаляясь от реальности. Потом случилось несчастье с его сыном Паблито. После того, как Жаклин Рок, вдова Пикассо, не пустила юношу в дом и не позволила присутствовать на похоронах знаменитого деда, он в отчаянии выпил флакон агрессивного химиката. Три месяца врачи вели борьбу за спасение бедного Паблито, но — увы! — медицина оказалась бессильной. Нельзя сказать, что эта трагедия оставила Поля равнодушным, но и особого участия в судьбе сына он не принял. Излишества в виде алкоголя и наркотиков сделали свое дело — первенец Пикассо пережил собственных отца и сына всего на пару лет, так и не успев воспользоваться злополучным наследством… #Story_romanticism

«Прощание Пушкина с морем», Иван Константинович Айвазовский

1887г. Холст, масло. Размер: 228 × 157 см. Всероссийский музей А. С. Пушкина, Санкт-Петербург. #Story_romanticism

В отличие от многих художников, изображавших великого русского поэта Айвазовский знал Пушкина лично (они познакомились в 1836 году на одной из выставок в Санкт-Петербурге). Правда, его знакомство с Александром Сергеевичем оказалось мимолетным. Однако Айвазовский стал приятелем с его вдовой, которая еще при той, первой встрече, как вспоминал художник, «нашла почему-то во мне тогда сходство с портретами ее славного мужа в молодости».

Великий поэт никогда не позировал великому маринисту. Картины с Пушкиным Айвазовский создает в последней четверти XIX столетия, через полвека после смерти своего кумира. Самой известной работой Айвазовского на пушкинскую тему считается картина «Прощание Пушкина с морем», написанная в 1887 году в соавторстве с Ильей Репиным. (Репин писал в этой картине фигуру Пушкина, Айвазовский - пейзажный фон).

Считается, что Айвазовский знал свою слабость в портрете, и сам пригласил Репина написать Пушкина в совместной картине. Позднее Репин так отозвался о совместной работе: «Дивное море написал Айвазовский. И я удостоился намалевать там фигурку».

Картина отсылает нас к стихотворению Пушкина «К морю».

Прощай, свободная стихия!
В последний раз передо мной
Ты катишь волны голубые
И блещешь гордою красой.

Как друга ропот заунывный,
Как зов его в прощальный час,
Твой грустный шум, твой шум призывный
Услышал я в последний раз.

Моей души предел желанный!
Как часто по брегам твоим
Бродил я тихий и туманный,
Заветным умыслом томим!

Как я любил твои отзывы,
Глухие звуки, бездны глас
И тишину в вечерний час,
И своенравные порывы!

Смиренный парус рыбарей,
Твоею прихотью хранимый,
Скользит отважно средь зыбей:
Но ты взыграл, неодолимый,
И стая тонет кораблей.

Не удалось навек оставить
Мне скучный, неподвижный брег,
Тебя восторгами поздравить
И по хребтам твоим направить
Мой поэтической побег!

…………………………….

Прощай же, море! Не забуду
Твоей торжественной красы
И долго, долго слышать буду
Твой гул в вечерние часы.

В леса, в пустыни молчаливы
Перенесу, тобою полн,
Твои скалы, твои заливы,
И блеск, и тень, и говор волн.
#Story_ruspainting

«Ревекка у колодца», Франческо Айец

1848 г. Холст, масло. Размер: 113×85 см. Пинакотека Брера, Милан #Story_romanticism

Один из ведущих представителей итальянского романтизма Francesco Hayez (1791−188) с большим удовольствием изображал женскую красоту в самых различных сюжетах. Во времена Айца изображать обнаженных женщин было неодобрительно для художника. Это допускалось общественной моралью только, если обнаженная фигура включалась в исторический или мифологический контекст.

Ревекка — персонаж Пятикнижия, одна из библейских праматерей, жена Исаака и мать братьев-близнецов Исава и Иакова (сыновья патриарха Авраама и жены его Сарры). Согласно легенде о жертвоприношении Исаака, Авраам, слушаясь Бога, был готов пожертвовать ему своего сына. Бог, увидев готовность Авраама принести своего ребенка в жертву, послал ангела, который остановил занесенную над юношей руку Авраама с ножом.

Когда Авраам состарился, он решил женить Исаака на девушке не из земель Ханаанских, где Авраам долгое время проживал с семьей, а из родных земель — Месопотамии. Авраам отправил верного ему раба отыскать подходящую невесту Исааку.

Однажды раб остановился у колодца, где женщины черпали воду и стал просить Господа послать ему знак. Из города вышла Ревекка, несущая на плече кувшин, она не только напоила раба, но и помогла ему черпать воду для верблюдов.

Раб поведал о том, какие события произошли в жизни Авраама после того, как он покинул родные земли, рассказал о сыне его Исааке и о желании Авраама женить сына на девушке из рода Нахора, брата своего. Раб просил отдать Ревекку за Исаака.

Родители Ревекки благословив дочь, отпустили её вместе со служанками. Исаак встретил их по дороге. Исаак был рад приезду невесты и очень полюбил ее. Ревекка стала женой Исаака, когда тому было 40 лет.

Ревекка оставалась бесплодной 20 лет, после чего родила близнецов — Исава и Иакова. Будучи беременной, Ревекка узнала от пророков Бога предназначение её сыновей — они оба станут родоначальниками двух народов, причем потомки старшего будут в подчинении у младшего.

Чувства родителей разделились: в то время как Исаак любил зверолова Исава, Ревекка любила пастуха Иакова. В Филистее Исаак, боясь, что местные жители его убьют, чтобы овладеть его женой, «так как она была прекрасна видом», выдал её за свою сестру. Когда Исаак, постарев и почувствовав приближение смерти, послал Исава наловить ему дичи и приготовить ему кушанье, «дабы благословила Исава его душа перед смертью», Ревекка побудила Иакова обманом предупредить брата и получить отцовское благословение. Она же, узнав, что Исав из мести замышляет убить брата, спасла своего любимца, послав его в Харан к своему брату Лавану.

О времени её смерти ничего не сказано, но сообщается, что она похоронена рядом с Исааком в склепе Пещеры Махпела.

«Морской берег в лунном свете», Каспар Давид Фридрих

Около 1835 г. Холст, масло. Размер: 135×170 см. Гамбургский кунстхалле, Германия

Caspar David Friedrich (1774–1840) — немецкий живописец, один из ключевых европейских художников XIX века.Его картины воплощают целый ряд вкусов, убеждений и установок, которые обычно ассоциируются с историческим движением, называемым немецким романтизмом. Это было доминирующее интеллектуальное движение немецкоязычных стран в конце 18-го и начале 19-го веков, оказавшее влияние на философию, искусство и литературу. Фридрих был тем, кто в основном отражал это движение в живописи.

Всю свою жизнь живописец оставался верен ландшафтам южной Германии и Балтийскому побережью, диким скалам, пустынным дюнам – непознанной природе и человеку-созерцателю в центре. «Морской берег в лунном свете» - последний пейзаж, который Фридрих смог завершить до перенесенного им в 1835 году инсульта и второй по величине формат. Немецкий художник использует тему "возвращающиеся домой корабли" как притчу о конце жизненного пути и символ непостоянства.
#Story_romanticism

«Кассандра», Эвелин де Морган

1898 г. Холст, масло.Частная коллекция #Story_romanticism

Одной из самых древних и знаменитых ясновидящих, о которой дошли легенды до наших дней, была Кассандра – провидица древней Греции. Она была дочерью последнего троянского царя Приама и царицы Гекубы; сестра Париса и Гектора. Говорят, легендарная троянская царевна Кассандра была чудо как хороша. Гомер сравнивал ее со златокудрой Афродитой.

Сам бог-красавец Аполлон домогался любви Кассандры. Конечно, внимание бога льстило самолюбию Кассандры, но она и свою цену знала. Не простой же девушкой была, а дочерью троянского царя Приама и его второй жены Гекубы.

Аполлон был настойчив, даже обещал на ней жениться. Кассандра же, пользуясь своей женской властью над влюбленным богом, попросила дать ей дар пророчества. Аполлон согласился. Как знать, что именно увидела внезапно прозревшая Кассандра. Быть может, скорую измену своего не слишком надежного поклонника или судьбу, еще более незавидную чем та, что в итоге ей выпала. Так или иначе, но жених получил решительный отказ. Разъяренный Аполлон не стал отнимать у девушки подарка, но попросил Кассандру лишь об одном прощальном поцелуе. Чувствуя себя виноватой, она не отказала ему. Тогда торжествующий Аполлон плюнул ей в лицо. С тех пор все пророчества Кассандры сбывались, но ни одному из них никто не верил. Она изрекала свои пророчества в экстатическом состоянии, поэтому ее считали безумной.

«Портрет Джона Рассела, 4-го герцога Бедфорда», Томас Гейнсборо

1770 г. Холст, масло. Размер: 74.9×62.2 см. Национальная портретная галерея, Лондон #Story_rococo #Story_romanticism

Основными достоинствами портретов кисти Гейнсборо искусствоведы называют непринужденность, изящество, естественность, спокойное достоинство позирующих и поэтическую одухотворенность портретов. На картине один из главных покровителей и заказчиков Гейнсборо изображён с лентой и звездой Благороднейшего ордена Подвязки. В этом парадном портрете нет ни лести, ни напыщенности.

Джон Рассел, 4-й герцог Бедфорд, (1710-1771) - лидер «Бедфордских вигов», крупной парламентской силы в Англии. Брат 3-го герцога (Риотесли Рассел). В ноябре 1744 г. стал первым лордом Адмиралтейства в администрации Генри Пелхэма.

«Смерть Сафо», Мигель Карбонелл Сельва

1881 г. Масло, холст. Размер: 81×62 см. #Story_romanticism

Miquel Carbonell Selva (1854 – 1896); каталонский художник-монументалист, известный своими реалистическими пейзажами и портретами.

Сапфо - древнегреческая поэтесса и музыкант с острова Лесбос, жившая примерно с 630 по 570 год до нашей эры. Ее стихи сохранились во фрагментах, музыка Сапфо не сохранилась. Сафо была знаменитой греческой поэтессой Ее иногда называют "Десятой музой", потому что ее способности играть музыку и писать стихи были легендарными.

Интригующая история о ее смерти циркулировала на протяжении тысячелетий, но нет никаких доказательств ее правдивости. История гласит, что Сафо бросилась со скал греческого острова Левкадия из-за своей любви к Фаону.

Некоторые ученые считают, что Сафо была лесбиянкой, и многие стихи Сафо можно интерпретировать как гомоэротические. Действительно, прилагательное "сапфический" может относиться к определенному типу лирической поэзии или к лесбиянству (т. Е. К сапфическим отношениям).

«Автопортрет», Томас Гейнсборо

1787 г. Холст, масло. Размер: 73.5×58.5 см. Королевская академия художеств, Лондон #Story_rococo #Story_romanticism

У английского художника и извечного соперника Джошуа Рейнолдса была своеобразная манера письма. Портреты Томаса Гейнсборо более камерные, с более мечтательным оттенком. Он старался показать свои модели как можно естественнее и достовернее, местами позволял себе даже оставить некоторые фактуры не до конца проработанными, как бы эскизными, что помогало ему создать впечатление лёгкости и оживленности, несмотря на то, что это парадный портрет. Автопортрет художника 1878 года как раз из разряда таких вот незаконченных.

Картина предназначалась в качестве подарка ближайшему другу художника, Карлу Фридриху Абелю (1723 – 1787). Его внезапная смерть стала огромным горем для Томаса Гейнсборо, а она не была закончена. Но именно этот автопортрет Гейнсборо считал самым удачным и завещал использовать как образец для всех последующих воспроизведений в гравюре.

Перед нами модно одетый джентльмен, свободный независимый художник, знающий себе цену. И это выражение лица с надменно приподнятой бровью, точно переданный на автопортрете внимательный взгляд, от которого не ускользнет ни одна деталь, – главные достоинства картины.

«Данте и Вергилий в девятом круге ада», Гюстав Доре

1861г.#Story_romanticism

Поль Гюстав Доре — французский гравер и живописец, ставший одним из величайших иллюстраторов XIX века без классического художественного образования. В 15 лет он был принят в штат «Journal pour rire» — одного из ведущих сатирических журналов Парижа, тогда же был опубликован альбом его литографий «Подвиги Геркулеса».
Доре иллюстрировал поэмы Байрона, сатирический роман Рабле «Гаргантюа и Пантагрюэль», «Озорные рассказы» Бальзака.

Те, кто читал «Божественную комедию» видят ад глазами Данте, и открывается он перед ними знаменитыми словами «Оставь надежду, всяк сюда входящий». На протяжении веков лучшие мастера своего времени пытались изобразить эпические масштабы дантевского Ада. Ужасы, которые скрывали врата, становились предметами изобразительного искусства так часто, что почти сразу вставали на одну ступень с самой «Комедией».

Французский художник Гюстав Доре создал много иллюстраций к этому произведению, которое поразило его до глубины души. Первые рисунки к он начал делать ещё в десятилетнем возрасте (и продолжил делать позднее, став взрослым и сформировавшимся художником)! Сегодня мы представляем картину «Данте и Вергилий в девятом круге ада», написанную в 1861 году.

Все окружающие были просто шокированы таким мастерством молодого дарования. Чтобы создать настолько красивые, одухотворённые, совершенно фантастичные произведения, которые наглядно показывают — что происходит там — за «дверью», нужно быть гением от природы, гением от Бога, которому с самого рождения было предписано стать великим художником и пронести свою миссию через всю жизнь, что бы отдать благодарному человечеству всего себя без остатка.

«Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку», Теодор Жерико

1812 г. Холст, масло. Размер: 292 × 194 см. Лувр, Париж #Story_romanticism

По мнению исследователей, картина была написана Жерико в течение всего пяти недель. В Парижском салоне 1812 года она была выставлена под названием Portrait du lieutenant M. D. («Портрет лейтенанта М. Д.»). Критики и общественность с воодушевлением воспринимают появления 21-летнего неизвестного художника, наделенного безусловным талантом и подающего большие надежды.

На картине изображен офицер полка конных егерей Императорской гвардии верхом на вставшей на дыбы лошади. Композиция портрета имеет сходство с композицией картины Давида «Наполеон на перевале Сен-Бернар» (1801).

Сохранилась лишь часть из двух десятков эскизов, исполненных Жерико для «Офицера конных императорских егерей…» В карандашных набросках к картине персонаж держит знамя, первый план занимает разбитая пушка. В первых живописных эскизах всадник движется справа налево, впоследствии Жерико «переворачивает» композицию, и уже на большом полотне движение развивается в другую сторону — подобный приём впоследствии художник повторял и при работе над другими картинами.

«Странник над морем тумана», Каспар Давид Фридрих

1818г. Холст, масло. Размер: 94.8×74.8 см. Старая Национальная галерея, Берлин #Story_romanticism

«Странник над морем тумана» – квинтэссенция романтизма. За последние два столетия этот образ стал культурной иконой. Он украсил обложку философского сочинения неомарксиста Терри Иглтона «Идеология эстетики», вышедшего в 1990 году; использовался для иллюстрации цикла «Зимний путь» Франца Шуберта – классического музыкального сочинения о странствующем печальном герое.

Писатели, художники и музыканты по всей Европе начали искать вдохновение в эмоциях, воображении и возвышенном. Их главной темой стала природа – дикая, необузданная и гораздо более сильная, нежели люди XIX столетия. В целом это была эпоха благородных героев и их бурных чувств. Фридрих олицетворил это направление, поместив в центр своей картины одинокого человека, глядящего на бескрайнюю непознанную территорию.

Картина глубоко волнует современных зрителей независимо от их знаний и опыта. Даже через двести лет красота этой работы – почти мистические контуры природного мира и драматическая, благоговейная связь человека с ним – всё ещё пронизывает и восхищает нас.

«Именины», Фанни Брэйт

1902 г. Холст, масло. Размер: 80x110 см. Национальный музей Швеции, Стокгольм #Story_romanticism

Шведская художница Fanny Brate (1861 – 1940) специализировалась на жанровых сценах. Ее картины, созданные под влиянием самого известного и почитаемого в Швеции художника Карла Ларссона воспевают идиллию семейной жизни. Их часто воспроизводят в качестве открыток и на различной рекламной продукции.

В 1885 Брэйт получила стипендию от Королевской академии изящных искусств, в которой обучалась, и смогла совершить поездку в Париж для совершенствования мастерства. После возвращения на родину он вышла замуж за филолога Эрика Брэйта. Появление на свет четырех детей и семейные заботы не помешали художнице сделать успешную карьеру.

На полотне «Именины» зритель видит просторную комнату. За окнами, сквозь которые льется солнечный свет, — сельский пейзаж. В центре помещения — большой круглый стол, застеленный белой скатертью. Две девочки накрывают его к празднику, уже стоят ваза с полевыми цветами и чашки. Старшая несет к чаепитию тарелку со сладкой выпечкой. Ее сестра аккуратно раскладывает листочки по краю стола, украшая его.

Светлый колорит картины создан на сопоставлении различных оттенков белого и голубого, немногочисленные яркие акценты синего, зеленого, охры и черного позволяют мастеру внести в произведение радостное, приподнятое настроение, передать ощущение и предвкушение праздника.