«Святой Себастьян», Лодовико Карраччи

Начало XVII века. . Холст, масло. Размер: 89,5x73 см. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_barocco

Итальянский живописец Лодовико Карраччи (1555-1619) – старший брат живописца Агостино Карраччи и двоюродный брат Аннибале Карраччи. Братья имели общую мастерскую, и их совместная деятельность имела решающее значение для формирования болонской школы, оплота академического искусства в Италии XVI века.

При Диоклетиане (284–305) Себастьян был начальником преторианской (личной императорской) стражи, преследовавшей христиан. Однако, когда его друзья Марк и Маркеллин были осуждены на смерть за свою веру, Себастьян вступился за них (чем обнаружил, что и сам тайно верил в Иисуса). Его приговорили к расстрелу, и казнь состоялась. Но ни одна стрела так и не поразила воина насмерть.

Солдаты оставили его тело, думая, что казненный уже мертв, и христианка Ирина выходила его. Затем Себастьян вновь предстал перед Диоклетианом, упрямо доказывая святость и истинность христианства. На сей раз он не избежал гибели — его побили камнями.

Лодовико Карраччи показывает своего Себастьяна попирающим ногами плиты с барельефами, словно фрагменты великолепных античных построек, как знак того, что христианство возобладает над язычеством. Взгляд святого обращен к небесам, он словно не чувствует боли от стрел, пронзающих его.

«Святой Себастьян, брошенный солдатами в Cloaca Maxima», Лодовико Карраччи

Начало XVII века. . Холст, масло. Размер:167,5x233 см. Музейный комплекср Гетти в Лос-Анджелесе #Story_barocco

Со Средних веков художники писали святого мученика католической церкви Себастьяна, изображая его обнаженным молодым человеком, привязанным к дереву либо кресту. В эпоху Возрождения его образ стал излюбленным, если раньше подчеркивалась жестокость казни, то теперь — прекрасная юная плоть.

Себастьян был приговорен к смерти после того, как вступился за своих друзей Марка и Маркеллина, которые были осуждены на смерть за свою веру, Его также приговорили к расстрелу, но ни одна стрела так и не поразила воина насмерть.

Ludovico Carracci (1555–1619) изображает момент, когда солдаты оставили его тело, думая, что казненный уже мертв,. По легенде юная христианка Ирина нашла и выходила его.

«Пейзаж с бегством в Египет», Аннибале Карраччи

1603 г. Холст, масло. Размер: 122x230 см. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_barocco

Картина итальянского художника эпохи барокко Аннибале Карраччи (1560–1609) находится во дворце в Риме, для которого была написана,. Картина, изображающая библейское новозаветное событие Бегства в Египет, была заказана в 1603 году кардиналом Пьетро Альдобрандини для семейной часовни в его дворце в Риме, позже известном как Палаццо Дориа Памфили.

«Бегство в Египет» было предназначено для большей стены, которая, вероятно, располагалась напротив алтаря, справа от нынешнего входа в так называемую комнату Альдобрандини. Аннибале сделал предварительные рисунки для всех шести композиций, однако по причине болезни заказ перешел к его помощнику Франческо Альбани. В конце XVII века холсты извлекли из мест расположения, так как церковь была разрушена.

Совершенно справедливо название этого люнета Карраччи. Пейзаж здесь является центральным мотивом происходящего. Хотя он эмоционально совершенно не участвует в полном драматизма событии. На самом деле именно здесь живописец впервые создал своего рода формулу классицистического пейзажа XVII века в соответствии с аристотелевской концепцией, популярной в ученом кругу Фарнезе — Альдобрандини. Подобный взгляд проявится и у французских классицистов, Пуссена, Лоррена, которые почти всю свою жизнь жили и творили в Риме, и у немецких и нидерландских мастеров. Конечно же, обычные тайные знаки (лодка — символ жизни) и здесь включаются в программу изображения.

Кроме «Бегства в Египет» в галерее Дориа-Памфили хранится также его произведение «Положение во гроб».

«Потоп», Карло Сарачени (Карло Венециано)

Начало XVII века. Холст, масло. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_barocco

Итальянский живописец венецианской школы, караваджист Carlo Carlo Saraceni (около 1580–1620) получил прозвище Carlo Veneziano («Карло Венецианец»). В масштабном по содержанию полотне более всего ощущаются уроки, усвоенные Сарачени у немецкого живописца Адама Эльсхеймера, обосновавшегося в Риме. Работы ученика путали с полотнами наставника, а также с Джентилески. Впрочем, художники были почти ровесниками и дружили, вполне допустимо, что их равно увлекала возможность передачи эффекта таинственного освещения в ночное время. И хотя в «Потопе» все же изображена не ночь, густые тучи, чреватые безостановочными проливными дождями, создают мрачную картину.

На самом деле перед зрителем один из вариантов Страшного суда, только воплощенного в ветхозаветном сюжете. Множество обнаженных мужчин и женщин, грешников, тщетно взывают к помощи небес, стремясь избежать кары Господней. Вдаль уплывает ковчег, спасающий праведника Ноя (потомка Адама в десятом колене) с семьей.

Рассказы о Всемирном потопе присутствуют в эпосах самых разных народов — Месопотамии, Египта, Индии, Китая. Поэтому сюжет этой работы имеет и другое прочтение, уже из древнегреческой мифологии. Он поведан греком Гесиодом и римлянином Овидием в его «Метаморфозах». Грозный олимпиец Зевс, разгневавшись на людей медного века (по Гесиоду — третьего поколения) и желая уничтожить их, наслал на землю потоп. Лишь сыну Прометея, безгрешному Девкалиону (имя с греческого переводится как «последний, неистребимый») и его супруге Пирре он позволил спастись. Отец посоветовал герою соорудить ковчег, который в конце концов прибило к одной из вершин Парнаса. Бросая камни через голову, превращающиеся в мужчин и женщин, Девкалион и Пирра возродили человечество.

Интересно, что художник пишет и погибающего голубя, стремительно падающего под ударами водного потока, не столько как иллюстрацию слов Господа: «Истреблю с лица земли человеков, которых Я сотворил, от человека до скотов, и гадов и птиц небесных истреблю» (Быт.: 6:1–8), а как намек на будущего вестника надежды на спасение.

«Девушка, заправляющая маслом лампу», Трофим Биго

Первая половина XVII века. Холст, масло Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_barocco

Трофим Биго (1579-1650), также известный как Теофиль Биго, Теофили Труфемонди - французский художник эпохи барокко, работавшим в Риме и своем родном Провансе. Было у Биго еще одно имя — Мастер свечного огонька, оно как никакое другое соответствует духу картины «Девушка, заправляющая маслом лампу».

Микеланджело да Караваджо никогда не стремился, да и не имел возможности создать школу, но приемы его искусства быстро сделались интернациональными. Совершенно очевидно, что Биго полностью послушен зову караваджизма и с особым изыском использует яркий, иногда скрытый источник освещенности, придающий благодаря экспрессивным контрастам золотого света и глубокой тени фигурам, лицам и предметам удивительный эффект зрительного воздействия даже в таких мирных и милых сюжетах, как в этой работе.

«Связанный Прометей», Питер Пауль Рубенс

1610-1611 гг. Холст масло. Размер: 243,5 × 209,5 см. Художественный музей Филадельфии #Story_barocco

Картина написана под влиянием греческой пьесы "Прометей: друг человека", приписываемой Эсхилу. В ней рассказывается история титана Прометея, который помог Зевсу установить власть над Кроносом и другими титанами, но разозлил бога, тем, что передал людям огонь, украденный с горы Олимп. Зевс приказал Гефесту, Кратосу (Сила) и Биа (Сила) приковать Прометея цепью к скале.

Прикованный Прометей был обречён на непрекращающиеся мучения — вновь и вновь прилетавший орёл днём выклёвывал его печень, которая у него, бессмертного, за ночь снова отрастала. Эти муки должны были длиться в течение всего героического века, по различным античным источникам от нескольких столетий до 30 тысяч лет, пока Геракл для упрочения своей славы не убил стрелой орла и не освободил Прометея.

Питер Пауль Рубенс написал ее в сотрудничестве с Франсом Снайдерсом, который изобразил орла. В 1618 году ее владельцем стал англичанин сэр Дадли Карлтон, который обменял полотно на коллекцию классических статуй. В настоящее время эта работа находится в коллекции Художественного музея Филадельфии.

В 1610 году Рубенс открыл собственную студию в Антверпене, одновременно служа придворным художником эрцгерцога и эрцгерцогини в Брюсселе. В тот же период, что и Связанный Прометей, Рубенс также писал "Сошествие с креста", заказанный алтарный образ.

«Автопортрет», Рембрандт Харменс ван Рейн

1668 г. Холст масло. Размер: 82,5x65 см. Музей Вальрафа-Рихарца Кельн #Story_barocco

Самый яркий представитель Золотого века Нидерландов Rembrandt Harmensz van Rijn (1606—1669) оставил след во многих жанрах живописи: он писал пейзажи, библейских героев, мифологические сцены, портреты и автопортреты. Один из них находится в коллекции музея Вальрафа-Рихарца (Кельн).

Этот автопортрет смеющегося художника был написан незадолго до смерти Рембрандта, последние годы жизни которого были наполнены трагедиями. Он тяжело переживал смерть любимой жены Саскии, его объявили банкротом, он был вынужден продать все свое имущество и перебраться на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где и провел остаток жизни. Однако эти трагические события не только не сломили живописца, но и подняли его искусство на такую высоту, которую не смог покорить больше никто.

Рембрандт начал обращаться к автопортрету еще в ранний, лейденский, период. На этих полотнах запечатлен молодой бунтарь, строящий гримасы и с любопытством изучающий себя в зеркале. В дальнейшем автопортреты пройдут через все творчество мастера, и в поздний период художнику хватит смелости с беспощадной прямотой изобразить модель, которую изучал на протяжении целой жизни.
Колорит представленного произведения крайне сдержан. Свет падает на изрытые морщинами лоб и щеки Рембрандта, чьи брови приподняты от смеха. Кажется, что зритель отвлек его от работы.

Слева на мольберте стоит портрет, но кто на нем изображен и почему художник улыбается? Существует несколько трактовок. По одной версии, слева показан бог Терминус как напоминание о скором приближении конца жизни, по другой — это изображение античного художника Зевксиса, который, согласно легенде, однажды нарисовал морщинистую старуху и портрет получился настолько смешным, что автор умер от смеха.

«Чудесный улов рыбы», Питер Пауль Рубенс

1610–1612 гг. Дерево, масло. Размер: 39x48 см. Музей Вальрафа-Рихарца Кельн #Story_barocco

Данный сюжет встречается в живописи нечасто. Чудесный улов рыбы, или, более традиционно, чудесная добыча рыбы (рыб) является одним из двух событий, обычно (но не повсеместно] считающихся чудесами в канонических евангелиях.

В Евангелии от Луки (от Луки 5:1-11) первый чудесный улов рыбы происходит в начале служения Иисуса и приводит к тому, что Петр, а также Иаков и Иоанн, сыновья Зеведея, по профессии становятся учениками Иисуса.

Второй чудесный улов рыбы также называется "чудесный улов из 153 рыб" и, похоже, напоминает первый улов. Об этом сообщается в последней главе Евангелия от Иоанна (Иоанна 21:1-14)и происходит после Воскресения Иисуса.

В христианском искусстве два чуда отличаются тем фактом, что в первом чуде Иисус изображен сидящим в лодке с Петром, в то время как во втором чуде он стоит на берегу.

На картине Рубенса показан момент наивысшего напряжения физических усилий. Несмотря на небольшой формат произведения, оно производит на зрителя впечатление монументального алтарного образа. Детально проработанные обнаженные мускулистые фигуры являются воплощением героического пафоса и жизнелюбия. Мрачный колорит, драматическое сочетание красного и коричневого, утрированность поз, бурлящая живописная поверхность являются прекрасной иллюстрацией лучших проявлений театральности и репрезентативности эпохи барокко.

«Юнона и Аргус», Питер Пауль Рубенс

1610 г. Холст масло. Размер: 249x296 см. Музей Вальрафа-Рихарца Кельн #Story_barocco

В 1606 году фламандский живописец Питер Пауль Рубенс (1577–1640)
возвращается из поездки по Италии, которая и в XVII веке оставалась центром притяжения для художников. Пребывание там пробудило интерес мастера к монументальным сценам на мифологические сюжеты.

На картине изображена заключительная сцена истории Ио и Юпитера, превратившегося в облако и соблазнившего ее. Разгневанная Юнона превратила соперницу в белую корову и коварно попросила ее у мужа себе в дар. Охранять Ио богиня поручила стоглазому великану Аргусу. В «Метаморфозах» Овидия сказано, что Юпитер послал Меркурия, чтобы тот возвратил его возлюбленную. Герой усыпил бдительного Аргуса игрой на лире и отрубил ему голову. В знак памяти о чудовище Юнона взяла его сто глаз и поместила их на хвост павлина.

На переднем плане лежит обезглавленное тело Аргуса, Юнона собирает глаза, а амуры резвятся с перьями. Эта жестокая сцена изображалась редко, однако Рубенс задал ей торжественное настроение. Сочетание желтого, красного и синего в одеяниях персонажей и этих же цветов в радуге на заднем плане является своеобразным манифестом живописи, олицетворением жизнеутверждающего начала.

«Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой», Питер Пауль Рубенс.

1618–1620 гг. Холст, масло. Размер: 180x152,5 см. Ирбитский музей изобразительных искусств, Свердловская область #Story_barocco

В 1976 году в молодой Ирбитский ГМИИ из Эрмитажа и Государственного музея изобразительного искусства им. Пушкина передали коллекцию живописи и графики. В пустой провинциальный музей попали 11 картин и несколько сотен оттисков и рисунков, среди которых случайно оказался шедевр Рубенса.

Создавать «Кающуюся Марию Магдалину с сестрой Марфой» Рубенсу помогали Антонис ван Дейк и Якоб Йорданс. Первый написал лицо Марфы, второй — ее скрещенные на животе руки и фигуру. Рубенсовская Магдалина изображена в богатых одеждах и с традиционными иконографическими символами — длинными распущенными волосами и небольшим сосудом для мира.

Художник запечатлел момент глубокого раскаяния — по лицу Магдалины текут слезы, она подняла заплаканные глаза к небу в знак вступления на истинный путь. Ногой Мария отталкивает шкатулку с драгоценностями, отрекаясь от суетной жизни и земных богатств. На нее со смиренной улыбкой смотрит сестра — праведная Марфа. Вместе сестры образуют контраст между божественной любовью, навеянной размышлениями о вечном, и любовью земной, греховной, продолжающей род человеческий.

Существует еще одна «Кающаяся Мария Магдалина с сестрой Марфой». Находится она в Музее истории искусств, Вена, Австрия, Картины отличаются некоторыми деталями: у изображенных женщин по-разному написаны лица и волосы, на венской картине больше драгоценностей в сундучке и больше заднего плана, а красное покрывало выполнено менее детально.

«Молодую кружевницу прерывает торговка птицами, которая предлагает ей товары через окно», Питер Корнелис ван Слингеландт

1672-1673 гг. Дерево, масло. Размер: 35,5 х 28 см. Государственные художественные собрания Дрездена #Story_barocco

Далеко не все жанровые произведения Золотого века голландской живописи имели «второе значение», немалую их часть составляли и те, что относились к группе «l'art pour l'art» - искусство для искусства. Однако, наибольшей популярность пользовались картины, в которых двусмысленности получали художественное воплощение. Невинные, на первый взгляд, бытовые детали выглядели частью повседневности, но при этом таили скрытое, иногда пикантное, значение, играя роль нравоучений, притч и т.п.

Именно такой по смыслу и выразительным средствам является картина Питера ван Слингеландта «Молодую кружевницу прерывает торговка птицами, которая предлагает ей товары через окно». Сброшенный туфель, смирная комнатная собачка, как совесть, которую приучили молчать, только вдобавок еще корзина с грязным бельем, сообщающая нам, что хозяйка зарабатывает на жизнь не только кружевоплетением, а ее нерешительность вызвана тем, что предлагаемая ей «птица», хоть и ярка опереньем, но не подает признаков жизни. На шкафу мы видим фигурку Купидона на коньках, напоминающую, что под воздействием любовных ласк человек находится как будто на скользком льду.

Визуальный язык данных композиций вполне традиционен для представления сцен продажной любви.

«Портрет Эухенио Мартинес Вальехо», Хуан Карреньо де Миранда

1680г. Холст, масло. Прадо, Мадрид #Story_barocco

На картине изображена 6-летняя девочка, страдающая избыточным весом (более 70 кг). , Эухенио Мартинес Вальехо имела прозвище La Monstrua (монстр). Патологически излишний вес, который предположительно диагностируется сегодня как синдром Кушинга, стал поводом для заказа и написания двух портретов Эухении (второй называется «Вакх»), и ее привлечения ко двору, который окружал себя странными персонажами — безумцами, карликами и другими людьми с ограниченными возможностями здоровья, как бы мы сказали сегодня.

Эухения, позирующая в нарядном парчовом платье, — типичный курьез придворной жизни. Необычная, вызывающая любопытство внешность, в определенной мере обеспечивала жизнь этим людям. Благодаря своей инаковости они становились заметными, что было весьма привлекательно для двора и в какой-то мере обеспечивало им существование.

Создание портрета для утехи сегодня представляется негуманным трансгрессивным жестом. Искусство в течение своей истории запечатлевало огромное количество аномалий и курьезов. На одном портрете Эухения позирует в нарядном парчовом платье, а на другом — обнаженной в образе Вакха.

Два портрета Эухении как будто фланкируют работу другого художника 17 века — монументальное полотно «Призвание евангелиста Матфея» Хуана де Пареха. Поэтому в экспозиции два портрета Мартинес воспринимаются раздельно, но отнюдь не как парные портреты, заказанные в одно и то же время.

«Кошка, присевшая на подоконник в мастерской», Геррит Дау

1657 г. Холст, масло. Размер: 34x26,9 см. Лейденская коллекция, Нью-Йорк #Story_barocco

Геррит Дау — один из первых учеников Рембрандта в Лейдене. В отличие от своего учителя, он связал свое творчество именно с этим городом. Вскоре после окончания обучения Дау организовал собственную мастерскую в Лейдене. Он стал родоначальником так называемой «тонкой манеры живописи», которой присуща высокая степень детализации живописи и филигранная отточенность техники.
Наибольшую известность мастер приобрел как автор жанровых сцен, обрамленных архитектурными нишами. Подобные работы демонстрируют талант художника создавать пространственные иллюзии. Со временем живопись такого рода стала весьма популярной, и у художника появилось множество последователей.

Находящаяся перед нами картина довольно нетипична, поскольку обычно в центре композиций в оконных проемах изображались женщины или девушки. Здесь же на переднем плане Дау поместил полосатую кошку, примостившуюся на подоконнике. Тщательно проработав каждую деталь — мягкую шерсть и пронзительные глаза — художник подчеркнул характер животного.

В XVII веке кошка считалась аллегорическим воплощением зрения. Возможно, именно поэтому мастер так тщательно и деликатно прописал глаза зверька, устремившего взгляд за пределы картины. Шерсть животного кажется блестящей и слегка перламутровой.

Если напрячь зрение - в глубине комнаты можно различить фигуру художника за мольбертом. Может быть, это сам Геррит Дау - автор картины, один из учеников Рембрандта.

Натуралистичное изображение в то же время несет символический характер. Исследования картины в рентгеновских лучах показало, что Дау изначально написал совсем другую композицию, включающую фигуру девушки на месте занавески. Перед кошкой, возможно, была нарисована мышеловка.

«Юнона помещает глаза на павлиний хвост», Орацио Риминальди

Первая треть XVII века. Холст, масло. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_barocco

Мтальянский художник Orazio Riminaldi (1586 - 1631) писал в основном исторические сюжеты в караваджистском стиле. Учился у Раньери Боргетти, Аурелио Ломи и Орацио Джентилески — художников, которых принято называть среди последних мастеров Возрождения и первых поклонников маньеризма, а затем барокко.

Риминальди выбирал сцены из жития святых. В представленном полотне на мифологический сюжет с изображением богини Юноны Риминальди — поистине барочный художник, вдохновленный передачей диагонального движения, экспрессивной светотенью, порывистостью пластических масс. В «Метаморфозах» Овидия рассказывается, что Юнона, сестра и супруга верховного божества древнеримского пантеона, возревновав царя богов к Ио, велела стоглазому великану Аргусу стеречь свою пленницу. Однако Меркурий его убил, тогда богиня поместила глаза чудовища на хвост павлина. Эта птица — ее атрибут. (Благодаря поверью, что мясо павлина не гниет, он стал символом бессмертия и Воскресения Христа и часто фигурирует в сценах Рождества.).

«Куртизанка», Якоб Адриансзон Баккер

1630-1650 гг. Холст, масло. Размер: 64.5 х 56.5 см. Национальный музей старинного искусства, Лиссабон, Португалия #Story_barocco

Jacob Adriaenszoon Backer (1608 - 1651) - голландский художник эпохи барокко. Ученик художника Ламберта Якобсона. Заметное влияние на его творчество оказали такие живописцы как Рембрант, Рубенс, Вибранд де Гист и Абрахам Блумарт.

Я. Баккер был авторитетом в области портретной живописи; работы его завоевали большую популярность в столице Голландии. Мастер писал также исторические, а на конечном этапе своего творчества — также религиозные полотна и картины на мифологическую тематику, считался мастером изображения обнаженной натуры. «Куртизанка» является одной из самых известных работ художника.

Историки отмечают, что голландки в то время отличались поразительной для того времени свободой в отношениях с противоположным полом. Якоб Адриансзон Баккер прямо указывает на профессию дамы – зеленое с белым платье, открытая грудь и монета в руке намекают на ее готовность вступить в близкие отношения с мужчиной, правда, не бескорыстно.