«Венера, Марс и Амур», Парис Бордоне

Между 1550–1560 гг. Холст, масло. Размер: 118x151 см. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_oldmasters

Итальянский художник венецианской школы Paris Bordone (1500–1571) является представителем маньеризма. Присоединился к bottega — мастерской Тициана в 1516 году и оставался там до 1518 года

Сюжет на мифологическую тему с героями-любовниками — богиней любви и красоты Венерой и богом войны Марсом — часто использовался в аллегорическом и метафорическом ключе (как любовь, усмиряющая военную страсть). Под кистью же Бордоне он воплощается в куртуазной сцене, но при этом с напряженной внутренней драматургией.

Стоит обратить внимание на переливающийся, словно трепещущий узор на ткани насыщенного красного платья рыжеволосой красавицы. Она держит в руке плод, похожий одновременно и на яблоко, и на апельсин (иногда художники изображали подобный фрукт в руке ребенка Иисуса или в сюжетах с Древом познания, он означал желание, а значит, как следствие, — грехопадение и будущую миссию Христа-искупителя). Яблоко — атрибут Венеры (греческой Афродиты, которой троянский принц Парис вручил его с надписью «самой красивой»). Таким образом, здесь оно несет множественную ассоциативную функцию, включая эротическую, но, кроме того, напоминает собственное имя художника.

Есть еще один смысл в этих атрибутах — Венера с гранатом в правой руке и со шлемом — в левой олицетворяет победу. И здесь она странно сосредоточена, опершись о пень, чуть отвлекаясь от мускулистой фигуры загорелого Марса. Он уже разоружен и освобожден от металлических воинских доспехов, на которых забавляется малыш Купидон — жестокий сын Венеры. В пейзаже на заднем плане — олень, символ благородства, учтивости, благоразумия, а еще — эмблема французского королевского дома. Так зритель может увидеть за мифологическим сюжетом аллегорическую программу — победу любви и красоты, одолевающих военную силу.

Впрочем, существует и интерпретация Венеры как венецианской куртизанки, на что указывают ее обнаженная грудь, цвет платья и светлые пряди волос.

Но, несмотря на неопределенность сюжета, ясно высокое колористическое мастерство художника, декоративные достоинства полотна, элегантность его героев, сближающие стилистику картины со школой Фонтенбло.

«Мадонна в красном (Мадонна Дюрана)», Рогир ван дер Вейден

Между 1435 и 1438 гг. Дерево, масло. Размер: 100 x 52 см. Музей Прадо, Мадрид #Story_oldmasters

В нидерландском искусстве XV века Рогир ван дер Вейден (ок.1400 — 1464) считается вторым по значению художником после Ван Эйка. При жизни он был очень известен, имел большую мастерскую, полную учеников и последователей. Его работами восхищались и его современники, и люди других поколений. Забвение большинства нидерландских мастеров XV века, длившееся века, не затронуло имя этого мастера.

Картину «Мадонна в красном» часто называют Мадонной Дюрана в честь последнего владельца, передавшего ее в музей Прадо. Встречаются также названия «Богородица с Младенцем в нише[» и« Мадонна на троне»

Пожалуй, это самая необычная и запоминающаяся изо всех работ Рогира ван дер Вейдена. Она очень лаконична как по сюжету - молодая женщина сидит с младенцем на коленях, так и по цветовой палитре – художник использует только три основных краски – черную, красную и белую.

Благодаря глубокому черному фону ярче становятся переливы теплых огненно-красных оттенков одеяния Мадонны, мягко светится нежная перламутровая кожа, золотятся рыжие кудри малыша. В лучах света блестит золотая вышивка на алом покрывале, ткань замысловато завязанного платка и детской рубашки кажется белоснежной.

Склонив голову, молодая мать любуется малышом, листающим большую книгу на ее коленях. Бережно держит она его на коленях, придерживая изящной рукой с длинными пальцами. Нежен и печален ее взгляд, она ведь знает судьбу своего сына.

А ребенок с любопытством рассматривает книгу, маленькими пальчиками пытаясь перевернуть страницы. Однако глаза его смотрят серьезно и сосредоточенно, совсем не по-детски.
#Story_oldmasters

«Выбор Геркулеса (Геркулес на распутье)», Аннибале Карраччи

1596 г. Холст, масло. Размер: 135.5 × 166.5 см. Галерея Каподимонте, Неаполь #Story_oldmasters #Story_renaissance

Итальянский живописец, рисовальщик и гравёр Annibale Carracci, был бмтом живописца Агостино Карраччи и двоюродным братом Лодовико Карраччи. Заказчиком картины «Выбор Геркулеса» (используется также название «еркулес на распутье») был кардинал Одоардо Фарнезе, который реши украсить поторк своей камерино во дворце его семьи.

Эта работа считается одним из шедевров Карраччи. По бокам мощного, но при этом пластичного Геркулеса (римский аналог древнегреческого героя Геракла, сына Юпитера и смертной женщины Алкмены) изображены две женщины, олицетворяющие противоположные судьбы, которые могла бы уготовить ему судьба: слева Добродетель зовет его на самый трудный путь, ведущий к славе через лишения, в то время как вторая, женщина с мирскими удовольствиями, более легким путем, соблазняет его на порок.

Позади Геркулеса находится пальма, которая через листья и ветви (символ военной победы и славы) намекает на будущую героическую жизнь Геркулеса. На вершине самого трудного пути находится награда Геркулеса, Пегас.

«Мужской портрет», автор неизвестен

Около 1450. Дерево, масло. Размер: 73,2x58,4 см. Музей искусства, Кливленд, США #Story_oldmasters

Ожесточенные дискуссии по поводу личности художника, исполнившего этот мужской портрет, ведутся до сих пор. Первое предположение связывало произведение с именем неаполитанского живописца Колантонио (работал между 1440–1460), а также с выдающимся фламандским мастером-миниатюристом Бартелами д'Эйком (1420–1470). Однако в настоящий момент картина с большей вероятностью приписывается провансальской школе.

«Мужской портрет» является весьма любопытным примером стилистических и колористических влияний Нидерландов и Южной Италии XV века на французских мастеров. Довольно продолжительное время он считался отдельным, обособленным произведением, но сотрудники кливлендского музея выдвинули другую гипотезу — изображение могло быть частью большого алтаря, а запечатленный мужчина является донатором.

«Галатея», Перино дель Вага (Пьетро Бонакорси)

Первая половина XVI века. Холст, масло. Галерея Дориа-Памфили Рим #Story_oldmasters #Story_renaissance

Perin del Vaga, Pietro di Giovanni Buonaccorsi (1501–1547) художник позднего итальянского Возрождения, маньерист. Ученик Ридольфо дель Гирландайо во Флоренции и помощник Рафаэля в Риме.

С эпохи Возрождения интерес к античности, древней мифологии рождал разнообразнейшие сюжеты, в которых итальянцы находили множество связей с современностью. Им, конечно же, вспоминалось собственное великое античное прошлое. Галатея, если верить «Метаморфозам» Овидия, являлась сицилианкой. Красавица нимфа не раз становилась героиней полотен самых разных художников: эпизоды переживаний любовного треугольника (Галатея была влюблена в юношу Акида, а сама любима циклопом Полифемом) предоставляли возможность чрезвычайно эмоционального повествования. Иногда нереиду изображали в одиночестве, но вовсе не горюющую. Живописцы воплощали тему Триумфа Галатеи, но, если у Рафаэля эта сцена полна естественного бурного движения, демонстрирующего стихийные силы, то Перино дель Вага показывает изящную светскую красавицу. Рафаэлевское естественное благородство оказалось приглушено чертами уже появившегося к этому времени во Флоренции маньеризма.

«Призвание святого Матфея», Ян Сандерс ван Хемессен

Ок. 1548 г. Панель, масло. Размер: 114×137 см. Музей истории искусств, Вена #Story_oldmasters

Ян Сандерс ван Хемессен написал несколько картин «Призвание святого Матфея»: одна версия находится в Национальном музее искусств Румынии, две в Музее истории искусств, Вена и еще одна картина - в Метрополитен-музее. Нидерландский художник использовал религиозную тему для передачи морального послания. Библейская история гласит, что святой Матфей начинал свою жизнь мытарем, пока его не призвал Иисус, и он немедленно последовал за ним. Эта история дала ван Хемессену повод нарисовать сцену, в которой люди, занятые коммерческой деятельностью, в частности разменом или подсчетом денег, противопоставляются безмятежному Иисусу.[

Во всех версиях показано, как Иисус манит Матфея жестом, напоминающим итальянское искусство. На переднем плане Матфей, ​​изображённый в драматическом ракурсе с выразительными движениями рук и головы, поворачивается к Иисусу в ответ на его призыв. Двое спутников Матфея не знают о происходящем знаменательном событии и продолжают свою работу по подсчету денег и регистрации платежей. Фигура Матфея представляет собой скрытый портрет императора Карла V, тогдашнего правителя Фландрии.

«Страшный суд», Стефан Лохнер

Около 1435. Дерево, темпера. Размер: 122x171 см. Музей Вальрафа-Рихарца Кельн #Story_oldmasters

Last Judgment Полиптих, выполненный темперой на дубе немецким художником Стефаном Лохнером (около 1400–1451) по заказу для зала заседаний городской ратуши Кельна. Это религиозное по форме произведение является уже чисто реалистическим по воплощению. Мы видим реальных людей, их страдания. Очень гармонична композиция, художнику удается попытка изображения перспективы, что является новым в искусстве этого времени.

У сожалению, полиптих был разделен на части, причем внешние крылья, которые при расширении образовывали шестикратную перегородку, были распилены на двенадцать отдельных картин, большинство из которых все еще сохранились, но хранятся в отдельных коллекциях, в основном в Кельне, Мюнхене и Франкфурте. На внутренних крыльях изображены Мученичество апостолов, на внешних панелях частично изображены аббат Святого Антония, Мария Магдалина и Даритель, святые Екатерина, Губерт, Квирин Нойсский и Даритель, а также папа Корнелий.

Тема Страшного суда — одна из центральных в христианском искусстве, она связана с пророчеством о втором пришествии Христа. Эти изображения должны были напоминать прихожанам о неминуемом приближении судного дня, когда каждому воздастся за его мирские дела. Грешники в наказание будут низвергнуты в ад, праведникам же уготовано вечное блаженство в раю.

Композиция условно делится на несколько самостоятельных эпизодов, что свидетельствует о еще живущих традициях алтарной живописи начала XV века. В центре восседает Иисус в красном одеянии, скрепленном драгоценной брошью. Слева от Него — Мадонна, справа — Иоанн Креститель. Жестом Судья отделяет грешников от праведников. Ангелы трубят в небе, воскрешая мертвых и возвещая начало Судного дня. Из глубины картины к зрителю «выходит» поток нагих людей, который разделяется надвое. Слева оказываются счастливые праведники, сопровождаемые ангелами в райские врата, справа — грешники, которых палками загоняют в ад веселящиеся черти. Среди них, молящих о пощаде, можно увидеть и священнослужителей, и королей, и крестьян — перед Богом все равны.

Панно «Страшный суд» впервые зарегистрировано в 1764 году в инвентаре приходской церкви Святого Лаврентия, Кельн, и в настоящее время находится в музее Вальрафа-Рихарца, Кельн, поскольку было завещано в 1824 году.

«Дудочник и барабанщик», Альбрехт Дюрер (1471–1528)

1503–1505 гг. Дерево, масло. Размер: 94x51,2 см. Музей Вальрафа-Рихарца Кельн #Story_oldmasters #Story_renaissance

«Дудочник и барабанщик» — часть двустворчатого изображения наружной стороны алтаря Ябаха. Триптих заказал курфюрст Фридрих Мудрый в 1503 для своей домовой церкви в Виттенберге по случаю окончания эпидемии чумы. Свое название алтарь получил по месту нахождения в часовне кельнского семейства Ябах — знаменитый парижский банкир и коллекционер Эберхард Ябах (1618–1695) послал этот алтарь в дом своего отца, но даже в то время упоминается о существовании только боковых его створок, без центральной панели.

Центральная часть триптиха обнаружена не была.На другой панели показана сцена осмеяния Иова его женой (Штеделевский художественный институт, Франкфурт-на-Майне). Так как створки связаны единым пейзажем, можно сделать вывод, что на представленной написано продолжение названной сцены. Известно, что Дюрер являлся человеком веселого нрава и изображенный барабанщик является его автопортретом.

Однако возникает вопрос, один ли Дюрер работал над произведением, несмотря на наличие только его монограммы на створках. В Саксонии обнаружены рисунки с изображением истории Иова Лукаса Кранаха Старшего, который, как известно, был придворным живописцем Фридриха Мудрого и участвовал в выполнении многих заказов.

«Портрет пожилых супругов», Лукас ван Фалькенборх

Без даты. Холст, масло. Размер: 134,5x 85,5 см. Национальный музей Швеции, Стокгольм #Story_oldmasters

Фламандский художник Lucas van Valckenborch (около 1535–1597) изучал живопись в Мюнхене у неизвестного мастера. Рредпочитал писать пейзажи, изображая разнообразные сцены из сельской или городской жизни. Реже в его творчестве встречаются рыночные сюжеты и портреты.

В данном полотне живописец мастерски сочетает жанры, в которых любил работать. Главные герои представлены на первом плане. Мужчина в одежде, подбитой мехом, сидит за столом, накрытым для трапезы, куда жена ставит корзину с фруктами: яблоками, виноградом, персиками и грушами. Здесь на оловянной посуде лежат жареная курица, кусок приготовленного мяса, в плетеной корзине – чистые стаканы, а за ней стоит кувшин с вином. На маленьком столике, находящемся рядом, – уже использованные столовые приборы, тарелки, кувшин, салфетки и оставшиеся от предыдущего приема пищи булочки. За спиной женщины открывается вид на площадь и улицу. Из-за отсутствия теней фигуры горожан, облаченных в черные костюмы, кажутся ирреальными. В целом же пейзаж воспринимается как картина, помещенная в интерьер, где собираются трапезничать супруги.