«Игра в волнах», Арнольд Бёклин
1883г. Холст, масло. Размер: 180x238 см. Новая пинакотека, Мюнхен #Story_symbolism
Океанская скерцозная сцена с волнующимся морем, встревоженными Нереидами и резвящимися в воде беззаботными Кентаврами.
Наряду с образом Пана Бёклин часто писал представленных здесь тритонов — морских кентавров, олицетворяющих мужской эрос.
Обращает на себя внимание история возникновения данного сюжета. Художник изобразил реальное событие, преобразив лишь символическую канву. Бёклин проводил летний отдых с семьей своего друга, исследователя морских глубин, Антона Дорна на острове Искья, Италия. Во время изучения морского дна Дорн неожиданно выскочил из воды около одной из дам, чем поверг ее в панику. Происшествие отразилось внезапной вспышкой в воображении Бёклина, он перенес этот момент в мир сказочных и опасных морских существ.
Картина поражает своей откровенной реалистичностью, эффектом присутствия. Этому способствует выбранная композиция: буйство, сила волн, без намека на горизонт, отсутствие устойчивой точки, взгляд перемещается с волн на выражения лиц. Тритоны веселятся, наяды беззаботно ныряют, а героиня на первом плане, смотрящая как бы в сторону зрителя, испытывает животный страх, в глазах — надежда на спасение и одновременно ощущение загнанности, тупика. Этот большой холст привлекает внимание полным ощущением нестабильности, даже ужаса и угрозы, которые исходят от него, несмотря на, казалось бы, простой мифологический сюжет.
Арнольд Бёклин — знаменитый швейцарский мастер эпохи символизма. Этот художник повлиял на образный ряд большинства живописцев своего времени. В начале творческого пути он занимался по преимуществу пейзажами, в которых главными были символическое, многозначно читаемое настроение и передача внутреннего мира автора. После 1860 он начал изображать мифологических персонажей, выражавших пантеистическое начало мироздания. Этот пантеизм очень повлиял на всю эстетику символизма.
«Смерть вознаграждающая невинность», Джордж Фредерик Уоттс
1887г. Холст, масло. Размер: 128.3×80 см. Тейт Британия, Лондон #Story_symbolism
Чувственная картина художника Викторианской эпохи «Смерть вознаграждающая (венчающая) невинность» изображает младенца, лежащего на коленях крылатой Смерти. Вопреки традициям она изображена в виде Ангела, а не страшной старухи или скелета с косой. Это молчаливый ангел жалости, нежно укрывающий ребенка своими большими крыльями. Смерть у Уоттса берет на себя ответственность за Невинность, что делает умершего младенца недоступным для Зла.
Представление Уоттса о Смерти как о доброй, ангельской и более того женственной фигуре противоречит традиционной иконографии Смерти как о «мрачном жнеце». Уоттс часто говорил о невинности, венчающей смерть, как о «нежной медсестре, которая укладывает детей спать».
Для понимания смысла этой картины нужно знать, что написана она была во времена высокой младенческой и детской смертности. С такой трагедией сталкивалась практически каждая викторианской семья. Поводом для написания картины послужила внезапная смерть молодого племянника второй жены художника Мэри Уоттс после падения с пони.
Впервые картина была представлена на выставке в Новой галерее в 1888 году. Первоначально художник хотел продать ее, но оглушительный успех и множество хвалебных отзывов побудили Уотса изменить планы. Он решил подарить полотно нации. В настоящее время картина находится в лондонской галерее Тэйт.
Американские символисты: Илайхью Веддер
Elihu Vedder (1836 - 1923) известен как автор 55 иллюстраций к подарочному изданию «Рубаи» Омара Хайяма в переводе Эдварда Фицджеральда на английский язык. Американский художник много раз посещал Англию, находился под влиянием прерафаэлитов и был другом Симеона Соломона. На него также оказали влияние работы английских и ирландских мистиков, таких как Уильям Блейк и Уильям Батлер Йейтс.
#Story_symbolism #история_живопись
"Молчание", Люсьен Леви Дюрмэ
1895 г. Пастель, бумага. Размер: 62x34см. Музей Д'Орсе, #Story_symbolism
Как и Густав-Адольф Мосса, другой французский художник Lucien Lévy-Dhurmer (1865 - 1953) успел многое написать как символист, впоследствии обратившись к модернизму. Пастель «Молчание», без сомнения, является одной из самых интересных и захватывающих его работ.
Картина напоминает икону с ее неподвижным и отстраненным лицом, хранящим неопределенную тайну. Длинные ниспадающие складки, усиленные вертикальным форматом, вызывают ощущение как физической, так и моральной тяжести. Эта фигура молчания также является аллегорией судьбы. Лишенная какого-либо конкретного контекста, не выражающая личности, периода или точного места, произведение становится символическим и универсальным.
Выбор пастели, любимого материала Леви-Дюрмэ, придает интенсивность используемым цветам, а штриховка делает все изображение мерцающим. Ибо, хотя Леви-Дюрмэ следовал традиционной иконографии молчания (это жест египетского бога Гора, а также греческого бога Гарпократа), он, возможно, черпал свое вдохновение непосредственно из скульптурной медали Огюста Прео для гробницы Якоба Роблеса на кладбище Пер-Лашез. Учитывая его литературные связи, вполне вероятно, что Леви-Дюрмэ черпал вдохновение и в произведениях своего времени.
Выставленное в Париже в 1896 году, а затем снова в конце 1899 и начале 1900 года, «Молчание» очаровало современников и оказало большое влияние на поколение символистов от Фернана Кнопфа до Одилона Редона.
«Похищение Сампо», Аксели Галлен-Каллела
1905 г. Масло на холсте. Размер: 73 × 51 см. Фонд изобразительных искусств Йосты Серлахиуса #Story_symbolism
С наступлением ХХ века значение национального романтизма пошло на убыль. Одной из последних картин на эту тему была «Похищение Сампо», которую Галлен-Каллела написал в 1905 году, частично в Хельсинки, а частично в Калеле, его доме-студии в Руовеси, используя своих соседей в качестве моделей.
Согласно народной легенде, воины Калевы украли у жителей Похьёлы Сампо, талисман, который, как считалось, приносил удачу, который был выкован кузнецом Ильмариненом. Сампо был разбит в суматохе борьбы за его возвращение, и сила Похьёлы ослабла, но Вяйнямейнен, герой «Калевалы», сажает уцелевшие части талисмана, чтобы они росли и приносили удачу будущим поколениям. Картина концентрируется на эпизоде кражи.
Детальный набросок из коллекций Серлакиуса представляет собой исследование мужской фигуры, тянущей за веревку, в правом верхнем углу окончательного изображения. На фотографии, найденной в архиве художника, видно, что сам Галлен-Каллела пытался изображать из себя модель для фигуры.
«Автопортрет», Ивар Аросениус
1906 г. Бумага, акварель, гуашь. Размер: 31,5x24 см. Национальный музей Швеции, Стокгольм #Story_symbolism
Один из известнейших представителей шведского символизма Ивар Аросениус (1878–1909) начал обучение живописи в Гётеборге у Карла Вильгельмсона в 1897 году, затем был принят в Академию изящных искусств в Стокгольме. Разочаровавшись в академическом образовании, сначала посещал как вольнослушатель художественную школу при Союзе Художников (швед. Konstnärsförbundet), где учился у Рихарда Берга, а в 1901 году вернулся в Гётеборг, где продолжил занятия у Карла Вильгельмсона. Попал под сильное влияние датского художника Оле Крузе, посетившего Гётеборг, и заинтересовался средневековым и народным искусством.
В 1903–1905 Аросениус посетил Германию, Францию, где познакомился с различными художественными течениями. Весной 1905 он представил на Салоне Независимых более пятидесяти акварелей, они получили хорошие отклики критики и публики. В том же году в Стокгольме прошла первая персональная выставка мастера, было показано 173 работы. Героями его произведений становились не столько реальные люди, сколько фантастичные видения. Подобная трактовка образов свойственна и при создании иллюстраций к легендам и сказкам, и картин, изображающих современную действительность или библейские и мифологические сюжеты. Довольно часто в произведениях Аросениуса звучат интонации созерцания смерти и радости бытия.
Представленный автопортрет написан в 1906, в год женитьбы на художнице Иде Адлер и рождения дочери. Мастер изобразил себя в венке из полевых цветов на фоне пейзажа. Он одет в простую кофту, застегивающуюся на плече. Творец с интересом и сомнением смотрит на зрителей, словно пытаясь понять, достойны ли они того, чтобы войти в его мир.
Аросениус очень любил жену и ребенка, им посвящена большая часть произведений позднего периода. Особенно остро в это время звучат интонации одиночества, тоски и тревоги за будущее близких людей. Художник скончался 2 января 1909 в возрасте тридцати лет от гемофилии.
