«Дождевой зонт», Мария Константиновна Башкирцева

1883г. Холст, масло. Размер: 93×74 см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург #Story_realism

Большую часть жизни Башкирцева, родившаяся в Полтавской губернии, прожила во Франции, куда ее в детстве увезла мать после расставания с отцом художницы. Юная Мария хотела стать балериной, затем певицей и даже начала делать шаги в этом направлении, но в 16 узнала, что больна туберкулезом, а лет с 18-ти из-за болезни стала терять сначала голос, а потом и слух.

Примерно тогда же Мария, больше всего мечтавшая о славе, решила заняться живописью и поступила в частную Академию Жюлиана (Национальная высшая школа изящных искусств была по-прежнему недоступна для женщин). Художница выставлялась на Салоне, а ее работы приобрел Лувр.

Картина «Дождевой зонт» - одна из лучших в собрании Русского музея. Мария смотрит на себя, изображает себя, разговаривает с собой в этой картине. Ее глаза, ее взгляд, ее переживания… Колорит картины – монохромный. Лишь переливы перламутровых тонов. Ни одного яркого пятна. Ни импрессионистической динамики. Ни отрывистых мазков. Подлинное чувство, разговор с собой и зрителем – что может быть правдивее и искреннее в живописи?

Название картины – и в прямом и в переносном смыслах полностью соответствует содержанию. Осенний дождь. Зябко и холодно. Мерзнут руки. Закутав хрупкие плечики, чтобы немного согреться, маленькая девочка из небогатой семьи держит зонтик. Вот и все. Неприхотливый, казалось бы и банальный сюжет. Но первое впечатление обыденности – кажущееся. Пластика картины, ее тихий художественный голос, полностью подчинены идее «все гениальное – просто».

Мария, отбросив все детали и аксессуары, смотрит на свою героиню пристально, не через призму воздушного пространства и перспективы, а приближает ее к зрителю, к себе. Как бы приглашает зрителя к диалогу, не боясь показать крупным планом свою героиню. Не по-детски озабоченное личико, полные тревоги глаза. Что только не заключено в этих глазках! Будущее - где оно, какое? Что впереди? Страдания? Борьба за выживание? Мимолетное счастье?

Мария смотрит на себя, изображает себя, разговаривает с собой в этой картине. Ее глаза, ее взгляд, ее переживания… Колорит картины – монохромный. Лишь переливы перламутровых тонов. Ни одного яркого пятна. Ни импрессионистической динамики. Ни отрывистых мазков. Подлинное чувство, разговор с собой и зрителем – что может быть правдивее и искреннее в живописи?

Картина мощная по психологической эмоциональности: взгляд не девочки , а много пережившей женщины..! Лоб прорезан глубокой морщиной, губы в крови, одета бедно, даже зонт поломан! Уже в глазах появилось жесткость от этой жизни подростка- девочки! И чёрного цвета много - это печаль, но не безысходность, характер сильный- борца!

«Портрет композитора М. П. Мусоргского», Илья Ефимович Репин

1881г. Холст, масло. Размер: 69х57 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва #Story_realism

Портрет Мусоргского – одна из вершин творчества Репина и всей русской портретной живописи 1880-х годов. В этой картине – единственном прижизненном изображении Мусоргского, передана трагедия большого таланта, сгоревшего от нервной болезни и алкоголизма, передана

С необычайной деликатностью художник изображает смертельно больного человека. Неопределенность заднего плана рождает иллюзию открытого пространства. Мусоргский будто изображен на фоне неба, взгляд его отрешен.

Портрет написан за десять дней до смерти композитора, в госпитале, за четыре сеанса (с 14 по 17 марта) и, как писал один из очевидцев, "со всякими неудобствами; у живописца даже не было мольберта, и он должен был кое-как примоститься у столика, перед которым сидел в больничном кресле Мусоргский".

Близко знавший и Мусоргского, и Репина критик Владимир Стасов так охарактеризовал эту работу: «Из всех, знавших Мусоргского, не было никого, кто не остался бы в восторге от этого портрета – так он жизнен, так он похож, так он верно и просто передает всю натуру, весь характер, весь внешний облик Мусоргского».

Павел Третьяков купил портрет, не видя его, а лишь услышав, что Репин в госпитале пишет больного Мусоргского. Художник отказался от платы за работу, пожертвовав деньги на памятник композитору.

Мусоргский Модест Петрович (1839–1881), русский композитор. Главные произведения: оперы "Борис Годунов" (1872), "Хованщина" (закончена Н.А.Римским-Корсаковым, 1883), "Сорочинская ярмарка" (закончена Ц.А.Кюи, 1916), фортепианный цикл "Картинки с выставки" (1874).

«Морфинистки», Aльбeрт Мaтиньoн

1905г. Холст, масло. Частная коллекция. #Story_realism

Сейчас французский художник Albert Matignon(1869-1937) мало кому известен. Даже год рождения точно установить не удалось. В некоторых источниках указывается, что он родился в 1860 году. Не известно, был ли он популярен в свое время, но в парижском Салоне он выставлял свои работы, практически, ежегодно.

Среди них одна из самых обсуждаемых - картина «Мофинистки», которая была представлена публике в 1905 году. Эта работа пользовалась успехом. Об этом говорит тот факт, что спустя некоторое время были выпущены открытки с изображением «Морфинистки», которые продавались довольно неплохо. Сюжет, совершенно невозможный в наши дни, но до чего же они дивные, чертовки!

Морфий - пагубная мода 19 века. Употребление подобных дурманящих наркотических средств, пользовалось определенной популярностью в маргинальном сознании представителей среднего класса XIX века, и вело к трагическим последствиям для их физического, морального здоровья и жизни.

«Прогресс рекрута: медицинский осмотр», Карел Виктор Морле Вес

1942 г. Холст, масло. Имперский военный музей, Лондон #Story_realism

Автор картины британский художник Карел Виктор Морле Вес(1908 -1997) закончил Школу искусств Хаммерсмита, колледж Голдсмитов. Во время Второй мировой войны Вес служил в Королевских инженерных войсках и Армейском учебном корпусе. В качестве официального военного художника в 1945 году он работал в Австрии, Греции и Италии.
В 1942 году он написал картину «Прогресс рекрута: медицинский осмотр», которая стала одной из самых известных работ художника на военную тематику.

На картине изображены несколько молодых новобранцев, ждущих своей очереди на прием к врачу. Молодые люди раздеты до пояса. Уставший от наплыва посетителей доктор сидит за столом, подперев голову рукой. Перед ним стоит рекрут с поднятыми руками и спущенными до лодыжек брюками. Справа на переднем плане находится еще один новобранец. Он полностью одет и растерян. О чем он разговаривает с чиновником, мы не знаем. Попробуйте угадать...

«Трутни», Раиса Дмитриевна Зенькова

1949 г. #Story_ruspainting #Story_realism

Встречается также второе название: "Тунеядки". Картина продолжает традиции критического реализма русской живописи в духе Павла Федотова с его шедеврами вроде "Сватовства майора" - но с поправкой на советское время. Автор портрета эпохи - заслуженный художник РСФСР Раиса Дмитриевна Зенькова. Родилась в 1912; году в селе Графское Приморской области Дальневосточного края.

Роскошная квартира, в которой живут две праздные "Эллочки Людоедки", которые спят до полудня, целыми днями прихорашиваются и болтают по телефону с такими же подружками. Над ними - портрет заслуженного папы, скорее всего, военного, фронтовика, благодаря достижениям которого тетки катаются, как сыр в масле, и ведут паразитический образ жизни.
Обратите внимание на характерные детали быта: ковры, платок на абажуре, кофейник, раскиданные карты, модные шмотки, шляпки и меха... Разве пристало советской женщине утопать в подобном мещанстве?

А вот женщина справа - фигура загадочная. Возможно, это мать отбившихся от рук дочерей или домработница, которая с осуждением обслуживает "трутней".

Самое интересное, тема тунеядства не потеряла актуальности и в XXI веке.

«Дочь солдата», Джеймс (Жак-Жозеф) Тиссо

1878г. Холст, масло. Размер: 21 x 36 см. частная коллекция #Story_realism

После подавления Красной Коммуны в Париже Тиссо уезжает в Англию. Он сочувствовал оппозиции, поэтому его могли за это привлечь. В Лондоне его ждал оглушительный успех. Его умение показать красивую, наполненную хорошим вкусом жизнь буржуа приводила к нему массу клиентов. А затем художник без памяти влюбился. Очаровательная ирландка Кэтлин Ньютон ответила ему взаимностью. Она была для него ангелом во плоти. Он, ни секунды не сомневаясь, променял свою холостяцкую разгульную жизнь на тихие семейные вечера. Она стала его главной музой и моделью.

Недолгие годы счастья родили многие шедевры. Именно Кэтлин Ньютон мы видим чаще всего на его картинах того периода. «Дочь солдата» - одна из них. Мы не знаем, в каких войнах участвовал пожилой джентльмен, изображенный на этой картине лондонского периода, да это и не важно. Дни славы прошли, сейчас он не может даже ходить сам. Женщина – его дочь. Вероятно, вся ее жизнь подчинена уходу за отцом – тяжелая доля и для дочери, и для отца.

История их любви имела трагический финал. Через 6 лет брака Кэтлин Ньютон… отравилась, не дав возможности супругу с ней попрощаться. Ей не было и 30. Она не в силах была терпеть физические страдания, вызванные затяжным туберкулёзом.

После смерти любимой жены Тиссо несколько лет ничего не пишет. А потом… появляются совсем другие работы, которые несут совсем иные эмоции. Легкомыслие и радость сменились обволакивающей грустью и ощущением душевного надрыва.

«Маленькая торговка углём», Хулио Ромеро де Торрес

1930г. Холст, масло. Размер: 100 × 80 см. Музей Хулио Ромеро де Торреса, Кордова, Испания #Story_realism

Картина считается одной из творческих вершин испанского художника. Закончена в 1930 году, незадолго до кончины Хулио Ромеро де Торреса.

Хулио имел славу «художника черно-коричневых девушек». Такое выражение взяли из старинного андалузского фольклора. Он умел отображать печаль и красоту андалузской женщины очень ярко и энергично. Прекрасным примером служит его картина «Маленькая торговка углем» (англ. The coal little Girl).

Моделью для этой и нескольких других картин художника была одна и та же 16-летняя девочка Мария Тереза Лопес, жившая по соседству. Жизнь её от этого не изменилась к лучшему, несмотря ни на удивительную ее красоту, ни на знакомство с известным художником, даже наоборот, многие считали её падшей женщиной, а мужчина, за которого она вскоре вышла замуж, заставлял её продавать себя. После того, как умерла их двухлетняя дочь, она ушла от мужа и больше никогда замуж не выходила. Мария дожила до глубокой старости.

Хулио Ромеро де Торрес (1874-1930) — испанский художник эпохи реализма, сын известного художника Рафаэля Ромеро Барроса, основателя и директора Провинциального музея изящных искусств Кордовы.

Оригинал картины «Маленькая торговка углём» хранится в Музее Хулио Ромеро де Торреса в его родной Кордове.

«Три женщины в церкви», Вильгельм Мария Хубертус Лейбль

1878-1881 г. Доска, масло. Размер: 113x77 см. Кунстхалле, Гамбург, Германия #Story_realism

Картина немецкого художника написана в стиле реализма. На полотне изображены три крестьянки разного возраста из окрестностей Мисбаха, о чём свидетельствует их одежда. Вильгельм Мария Хубертус Лейбль (1844–1900) продал картину в 1883 году семье Шон в Вормсе за 40 000 марок. В 1884 году она выставлялась в Вене, Париже и Лондоне. В Гамбургском кунстхалле с 1906 года. Скамейки в стиле рококо и копия полотна до сих пор находятся в церкви.

Интерес к жизни обычных людей, проблеме световоздушной среды и пространства привел мастера к созданию картин, подобных представленной. Художник без социальной заостренности, правдиво написал баварских женщин.

Выдающийся представитель немецкого реализма Вильгельм Мария Хубертус Лейбль показал три возраста: слева на фоне стены — резкий профиль пожилой женщины, мастер отметил обострившиеся от тяжелого труда черты лица. Старуха в центре склонилась над Библией, Лейбль тщательно выписал скорбные носогубные морщины на ее лице. Образы решаются крупными тональными обобщенными пятнами с углубленно прочувствованной моделировкой старых, сморщенных рук и лиц. В контрасте к этим двум коленопреклоненным персонажам в черных платках дан третий — сидящая справа молодая женщина в традиционном баварском наряде — красиво вышитой накидке, клетчатом платье и белом крестьянском переднике. Величественные, спокойные фигуры монументальны и статичны, художник старался зафиксировать самое характерное в облике моделей. Серебристая тональная живопись напоминает произведения старых мастеров.

«Осень», Йонас Хельмер Ослунд

1907 г. Холст, масло. Размер: 116x202 см. Национальный музей Швеции, Стокгольм #Story_realism

Шведский художник Helmer Osslund (1866–1938) специализировался на мотивах Лапландии. Его настоящая фамилия Å slund , однако мастер решил ее видоизменить до Osslund после своего переезда в Америку, так как буква Å вызывала трудности в написании и искажалась до А. Так и появился художник Осслунд.

После персональной выставки, прошедшей в 1906 в мэрии города Евле, Осслунд получил заказ от промышленника Эмиля Маттона на серию произведений «Времена года». В 1907 мастер его исполнил. До 1979 работы находились в собственности Маттона, после три из них оказались в частных собраниях, а «Осень» украсила экспозицию Национального музея Швеции и стала «визитной карточкой» Осслунда.

На данном полотне живописец изобразил невысокие горы, отражающиеся в озерной глади, окаймленные пылающей осенними красками растительностью. Декоративность картины строится не только на сочетании ярких красных, желтых, зеленых, белых и насыщенных коричневых оттенков, но и за счет некоторой стилизации и обобщенности форм. Интересный выразительный эффект придает работе узор, образуемый изогнутыми стволами берез с тонкими, почти нагими ветвями.